Marcelle Alix Marcelle Alix
Projects

Nothing Personal

Mathieu Kleyebe Abonnenc, Pauline Boudry / Renate Lorenz, Michael Dean, Ian Kiaer, Chosil Kil, Emma Wolukau-Wanambwa

08.01.2011 - 16.03.2011, vernissage 08.01.2011



Reading by/ lecture par Michael Dean: 8.01.2011, 8 pm


En français plus bas <> Nothing personal: the title is misleading, since the personal is what the works in the show are all about. We want to pack away the Modernist belief in the autonomy of the artwork, and we also want to celebrate contradiction. Marcelle Alix's inaugural show (Moon Star Love, 14.11.09 ? 23.01.10) explored the poetry of the fragmentary form. Here the fragment encounters a generative and powerful idea inherited from feminism: "the personal is political".


We are interested in what "adventurous coherences" (to paraphrase Roger Caillois) the fact of bringing together works by seven very different artists might produce. The artists are diverse, but their work shares a common concern: namely an ability to rework their sources and an interest in the mechanics of art circulation.


How Pauline Boudry and Renate Lorenz appropriate the historical document to make it resonate with contemporary issues is fascinating. How their film Normal Work (2007)?shown together with a photo archive? relates the complex imagery surrounding two Victorian lovers, divided by class, to contemporary queer culture is startling.


The resistance to standardization, which Hannah Cullwick?s character (in its updated version by Boudry & Lorenz) comes to symbolize, necessitates different reinventions of the self. While the duo employs primary figures, such as the dandy to construct a mise-en-scène that celebrates artificiality (as opposed to a natural state), Mathieu K. Abonnenc and Emma Wolukau-Wanambwa soberly show sequences of situations from which untypical and hard-to-reconstruct family stories originate.
Abonnenc uses the bodies of others to exhibit a piece of jewellery which, despite his lengthy research, still resists him and stands for the expression of power's secret existence. The object is the reproduction of his great-grandfather's ring, which he inherited and lost. The silver ring, ornate with a skull, links the past of a free-mason who lived in Guyana, to the following menacing ideal: "I will maintain through reason or strength" (motto of Counani, the independent Republic of Guyana which attempted to exist outside of the colonial system between 1886 and 1891). The sentence progressively disappears as the material is recast every time the ring is bestowed to a new person, in the present case, the gallery-owner.
Penderosa by Wolukau-Wanambwa is the first formal realization of the artist's recent research in Uganda. This installation recalls a miniature cinema house, as it offers the beholder to look at an image, an almost naïve landscape (much like a Douanier Rousseau?s painting), accompanied by a text which underlines the gap between historical knowledge and personal stories. It also subtly evokes the difficulty to produce images.

Chosil Kil, on the other hand, disturbed Korean creeds during an exhibition showcasing different objects belonging to shamans. This endeavour was quite badly interpreted by the Korean public, and, facing growing tension, the artist decided to return the sacred objects and to show their prints instead. The shaman's bell gave way to different works, which were made in the aftermath of the first show: among them, prints on paper (The Second Impressions, 2010) and a bronze (And His Daughter, 2011). Both these works construct the image of an absent object that is voided of its magical function and becomes vulnerable. The acquired sensitivity of the material of the work also makes it quite vulnerable to a formalist interpretation.

In her seminal essay entitled "Minimalism and Biography"1, Anna C. Chave deconstructs Minimalist orthodoxy by showing that biographical elements were voluntarily left out of 60's art criticism, for political reasons. While Carl Andre would boast -matter matters- and Mel Bochner would insist on the solipsistic character of his works, which more or less constituted the prevailing interpretations of Minimalism until now, Chave suggests that Andre's supposedly impersonal sculptures were tightly linked to his grandfather's history, a mason in Massachusetts. According to Chave, the artist had mentioned his grandfather at several occasions and even claimed that the brick had become a personal emblem.
Michael Dean's dense and tactile sculptures concur with the hypothesis of biographical minimalism. Born in an industrial city in northern England, Dean comes to terms with the origin of his attachment to concrete, quite a history-loaded material. The texts he writes and reads in public express a poetics of an industrial wasteland, and a romanticism of contemporary ruins. They also inform his sculptures, which could be interpreted as immobilized and tense bodies.
On another note, the origin of Ian Kiaer's work can be traced to a form of cultural nomadism, insistent readings of art history and architecture, and to structural obsessions, around which he weaves a reflection on painting. His installation Endless House project: Horta/ Van Eetveld (2008) rearranges a project realised at the Horta House in Brussels, into an anachronistic display which combines desire and fantasy.

To point out working methods which are anchored into social, political and bio-political realities and which express themselves through forms that fully belong to the realm of art.


To understand that an artwork doesn't need to be "politically committed" to be considered life-altering, but that its author's acknowledgement of its integration into a specific social and political context makes it a consciouswork, like a mirror which sends everyone back to their own responsibility.

Not to let an artwork leave the studio without any purpose. To feel fully conscious of what type of issue(s) it raises. To be able to hold it, to come to terms with it. This is the role of the artist, but also of the gallery.


MA


The Art Bulletin, mars 2000, p.149-163


Special thanks to: Ben Borthwick, Kate Briggs, castillo/corrales, Julia Mon Cureno, Vanessa Desclaux, Vincent Honoré, Ernesto Sartori, Didier Semin, Chris Sharp, Jessica Vaughan and Alison Jacques Gallery. 




Nothing personal : ce titre dissimule ce que les oeuvres de l'exposition affirment pourtant clairement, c'est-à-dire tout le contraire. Au placard le credo moderniste sur l'autonomie de l'art, nous aimons aussi dans la contradiction, et ce qui a produit l'exposition inaugurale de Marcelle Alix (Moon Star Love, 14.11.09 ? 23.01.10)?un éclat poétique propre à la forme fragmentaire "détaché du monde environnant, et clos sur lui-même comme un hérisson"1?se transforme ici au contact de l'idée génératrice et persistante héritée du féminisme, "the personal is political", affirmant la construction d'une identité, et donnant à voir une réflexion sur l'écriture de l'Histoire. 


Voici que sont permises les "cohérences aventureuses" pour réunir les oeuvres de sept artistes dont les gestes et les corpus diffèrent. Ce n'est pas à proprement parler une famille artistique qui les réunit, mais plutôt l'idée que ces artistes auraient bien des choses à partager : une habileté à retraiter leurs sources et un intérêt pour les mécanismes de circulation de l'art.


Passionnante la manière dont le duo Pauline Boudry & Renate Lorenz s'approprie le document historique pour le faire coïncider avec des problématiques contemporaines. Étonnante la façon dont le film Normal Work (2007), au regard d'une archive photographique montrée à proximité, se fait l'écho des moeurs de deux personnalités de castes différentes, vivant à l'époque victorienne et qui ont créé autour de leur amour une imagerie complexe, dont ces artistes trouvent des résonances dans la culture queer.


Cette résistance à la standardisation, que symbolise le personnage d'Hannah Cullwick réactualisé par Boudry & Lorenz, passe par différentes inventions de soi. Et si le duo utilise des figures matrices telles que le dandy au profit d'une mise en scène qui pousse l'artificialité à son paroxysme, Mathieu K. Abonnenc et Emma Wolukau-Wanambwa exposent avec sobriété des enchaînements de situations, à l'origine d'histoires familiales atypiques et difficiles à reconstituer. 
Abonnenc se sert du corps d'autrui pour exhiber un bijou qu'il considère, malgré ses recherches, comme un objet de curiosité lui échappant en partie, la manifestation d'une existence occulte du pouvoir. L'objet en question est la reproduction de la bague de son arrière grand-père, qui lui a été léguée et qu'il a perdue. Cette bague en argent dont le motif principal est une tête de mort, relie le passé d'un franc-maçon ayant vécu en Guyane, à l'idéal menaçant: "je maintiendrai par la raison ou par la force" (devise du Counani, République indépendante de Guyane qui tenta d'exister en marge du système colonial entre 1886 et 1891). La phrase est peu à peu consumée par la refonte du matériau au terme des différents legs, ici de l'artiste au galeriste pour le temps de l'exposition.
Penderosa de Wolukau-Wanambwa est la première formalisation de sa recherche la plus récente en Ouganda. Cette installation rappelle le dispositif en miniature d'une salle de cinéma et propose au regardeur de fixer une image, un paysage presque naïf (proche du Douanier Rousseau) accompagnée d'un texte qui souligne l'écart et la perpétuelle instance de transfert entre savoir historique et histoire personnelle,  évoquant avec subtilité la difficulté de fabriquer des images.


Chosil Kil, de son côté, perturbe les croyances de son pays d'origine, la Corée, en proposant lors d'une exposition la présentation de plusieurs objets relatifs à la pratique du chamanisme. Ce geste a été très mal interprété par le public coréen et, face aux tensions grandissantes, l'artiste a décidé de rendre les objets sacrés et d'en exposer les empreintes. La cloche du chamane est à l'origine de deux oeuvres réalisées ultérieurement : des empreintes sur papier (The Second Impressions, 2010) et un bronze (And His Daughter, 2011). Ces oeuvres fabriquent la même image, celle d'un objet absent, dont la fonction magique est totalement évacuée au profit d'une certaine vulnérabilité. Vulnérabilité du matériau et peut-être aussi vulnérabilité de l'oeuvre à un jugement formaliste.


Dans son essai séminal intitulé « Minimalism and Biography »2, Anna C. Chave déconstruit l'orthodoxie Minimaliste en montrant que les éléments biographiques ont été, pour des raisons de positionnement politique, volontairement évacués de la critique des années 60. Alors que Carl Andre s'enorgueillissait de sa formule « matter matters » et que Mel Bochner insistait sur le caractère solipsiste de ses oeuvres--ce qui a constitué peu ou prou l'interprétation dominante du Minimalisme jusqu'à aujourd'hui--Chave avance au contraire que les sculptures soi-disant impersonnelles d'Andre seraient largement liées à son grand-père paternel, maçon de son Etat (le Massachusetts). L'artiste aurait, à de nombreuses reprises, évoqué ce grand-père et affirmé que la brique était devenue pour lui un emblème personnel. 
Les sculptures denses et tactiles de Michael Dean rejoignent l'hypothèse duminimalisme biographique. Originaire d'une ville industrielle du nord de l'Angleterre, Dean assume l'origine de son attachement à un matériau aussi chargé d'histoire que le béton. Une poétique de la friche industrielle, un romantisme de la ruine contemporaine, s'expriment dans les textes qu'il écrit et leurs lectures publiques. L'écriture façonne ses sculptures, que l'on peut voir comme des corps immobilisés et tendus. 
Le travail d'Ian Kiaer, quant à lui, trouve son origine dans une forme de nomadisme culturel, des lectures insistantes de l'histoire l'art et des monuments architecturaux, et des obsessions  structurelles, autour desquelles il tisse une réflexion sur la peinture. Son installation Endless House project: Horta/ Van Eetveld (2008) reconfigure en un arrangement anachronique qui mêle désir et fantasme, un projet réalisé à la Maison Horta à Bruxelles.


Pointer des démarches ancrées dans des réalités sociales, politiques, bio-politiques qui s'expriment dans des formes appartenant pleinement à la sphère de l'art.

Comprendre qu'une oeuvre d'art n'a pas besoin d'être « engagée » pour changer la vie, mais que la reconnaissance par son auteur de son intégration dans un contexte socio-politique particulier en fait une oeuvre consciente, comme un miroir qui renvoie chacun à sa propre responsabilité. 

Ne pas laisser « sortir » une oeuvre au hasard. Se sentir pleinement conscient de ce qu'elle soulève, pouvoir la porter, l'assumer. C'est à la fois le rôle de l'artiste, et également celui de la galerie.


MA


Friedrich Schlegel, Athenaeum Fragments, fragment 206 
2
 The Art Bulletin, mars 2000, p.149-163


Remerciements à Ben Borthwick, Kate Briggs, castillo/corrales, Julia Mon Cureno, Vanessa Desclaux, Vincent Honoré, Ernesto Sartori, Didier Semin (et la piste du hérisson), Chris Sharp, Jessica Vaughan et Alison Jacques Gallery.