L'Aglio Taglia

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Ernesto Sartori is a particularly eloquent artist. What he says, writes, draws, paints or makes includes various myths and beliefs that everyday life nourishes in its simplest and sometimes most functional forms (table, ball of yarn, plastic wrapper, spoon, mirror, etc.) Although the gateway to this work finds its origins in the outer limits of a parallel world with odd angles, it now can be connected to an earthly, yet equally as whimsical, situation as it seems to encompass - within the most defined boundaries of domestic life - an imaginary phenomenology that could be approached by this persistent question: what are my chances of migrating into a body of another kind?

Looking closely at a recent wooden sculpture by Sartori, I think to myself that the proposition is not as obvious as it might appear at first sight. Is this mini piece of furniture - composed of approximate assemblages in plastered and colored wood - made so that we feel bigger than the world of objects and less overstepped by it? Or, on the contrary, does it represent the possibility to regret one’s human size and to imagine oneself moving within the interior of things? I believe that Sartori’s paintings have always been invitations to understand the rules that determine the fixed world of images so as to re-introduce movement back into it. As for the sculptures or installations, they contradict even more manifestly the fixity of painting, its well-known flatness.

What would it be like to become an image, a body of painting? While imagining the situation of a bodily existence shaken by a new life within a painting, I immediately immersed myself in the story that Pierre Cassou-Noguès describes when he tries to explain this new sensitivity that the hero of Une histoire de machines, de vampires et de fous (A Story of Machines, Vampires and the Mad) experiences after having been bitten by a vampiress. The complex and enthralling pages at the beginning evoke the questioning of this human being that has become a Flemish portrait, or, in other words, a face of paint, an immobile body without organs nor sense of touch, prisoner of the canvas surface. One of the most touching moments, more particularly the one that I wish to evoke to come back to the work of Sartori, relies on the interior emptiness that characterizes existence in painting as compared to sensitive, living and full bodies of human existence. Because sensitive bodies contain a multitude of parts, all intertwined with each other, they can, of course, be opened, “like you open an orange or a melon”, as Cassou-Noguès describes.

For Sartori, painting - whether it be applied on a flat surface or on varying qualities of wooden volumes - allows objects to be considered as sensitive bodies, as living beings. Color is the soul’s mood. It is a mechanism of absorption in itself. Wherever it is applied, it feeds and informs those who are guided by it. Much like in Cassou-Noguès’ novel, the visitors who carry words and feelings are the ones who facilitate voyages and teleportations through colored material. Although classical painting seems to ignore randomness, Sartori reintegrates it back into his practice and makes the structure of this very human world out of it, with its changing characteristics and obvious instability. Using either his hand or a spatula, the artist sometimes applies the dyes and the gouaches directly onto the objects and volumes. He plays with what can be reproduced (architectures, landscapes and colored sensations) and with that which cannot (utensils, tools, scrap materials) so as to keep us as close to these arrangements as possible, troubled by the strange impression that the objects have their own voices, like when we would encounter them as children.

This work shows us simple forms, but can we really consider them as simple? Like in a straightforward situation, isn’t there the possibility for a reversal in a simple form?
How many times, on the verge of obtaining their goal, have the heroes of adventure novels or films seen their whole theory, and the scenery, crumble before their eyes because they somehow overlooked an important detail? This detail comes to mislead certainties, much like when we question common usages of language that have been crystallized into sayings or proverbs and that circulate without ever really being questioned. Are proverbial expressions fixed for everyone? Sartori is willing to take part in this question as well. The Italian proverb, “Sul tagliere l’aglio taglia, non tagliare la tovaglia, la tovaglia non è aglio, se la tagli fai uno sbaglio” (“Cut the garlic on the cutting board, do not cut the tablecloth, the tablecloth is not garlic, if you cut it, you’ve made a mistake”) known first and foremost as an exercise in comical diction, encompasses multiple meanings that stimulate those who are the most playful. Sartori highlights not only the importance of the wood of the cutting board but that of the garlic which has become a tool in and of itself. This time the garlic cuts and this reversal creates a new movement that language is unable to stop, or at least not for now.

CB

Ernesto Sartori was born in 1982 in Vicenza (Italy). He lives in Brussels. He was invited for a solo exhibition at Espace Madeleine Lambert in Vénissieux, in 2014 (cur. Françoise Lonardoni). He produced a large installation for Passerelle art center in Brest the same year (exhibition Vernacular Alchemists, cur. Etienne Bernard and Antoine Marchand), while his work was presented at FIAC (Jardins des Tuileries) and at the occasion of Sèvres Outdoors (Cité de la céramique de Sèvres). In 2015, he took part in the outdoor program of the Parc Saint-Léger art center. He is currently producing a new installation for the art center in Colomiers and is participating to the exhibition ARBAESAESBANM at the Académie des Beaux-Arts in Brussels.

Special thanks: Thibault Espiau, Camila Renz, Baptiste Pinteaux, Alex Balgiu & Katie Dallinger, Frank Balland (Parc Saint-Léger), Mélanie Vincent, Marie Cool Fabio Balducci.

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Ernesto Sartori est un artiste particulièrement éloquent. Ce qu’il dit, écrit, dessine, peint ou fabrique englobe des mythes et croyances divers que le quotidien irrigue dans ses formes les plus simples et parfois les plus fonctionnelles (table, pelote, emballage plastique, cuillère, miroir, etc.). Si la porte d’entrée de ce travail trouve son origine aux confins d’un monde parallèle aux angles un peu louches, tout aujourd’hui le rapproche d’une situation terrienne aussi fantasque, puisqu’elle renfermerait dans les contours les plus définis de la vie domestique une phénoménologie imaginaire qu’une persistante question pourrait approcher: quelles sont mes chances de migrer dans un corps d’une autre nature?

Regardant de près une sculpture en bois récente de Sartori, je me dis que la proposition n’est pas aussi évidente qu’il n’y paraît à première vue. Ce mini mobilier, composé d’assemblages approximatifs en bois plâtré et coloré, est-il fait pour que nous nous sentions plus grands et moins dépassés par le monde des objets? Ou bien est-ce au contraire la possibilité de regretter sa taille humaine pour préférer s’imaginer circuler à l’intérieur des choses? Il me semble que les peintures de Sartori ont toujours été des invitations à comprendre les règles qui régissent le monde fixe des images pour y réintroduire le mouvement. Les sculptures ou installations, quant à elles, contredisent de façon plus manifeste encore la fixité de la peinture, sa bien connue platitude.

Qu’est-ce que ce serait de devenir une image, un corps de peinture? En imaginant la situation d’une existence corporelle bouleversée par une nouvelle vie à l’intérieur d’un tableau, je me suis immédiatement projetée dans l’histoire que décrit Pierre Cassou-Noguès, lorsqu’il tente d’expliquer cette sensibilité inédite dont le héros d’Une histoire de machines, de vampires et de fous est porteur, après avoir été mordu par une femme vampire. Les complexes et passionnantes pages du début évoquent le questionnement de cet être humain devenu un portrait flamand. Soit un visage de peinture, un corps immobile, sans organe ni sensation, prisonnier de la surface de toile. Un des moments les plus touchants, celui en particulier que je veux évoquer pour revenir au travail de Sartori, fonctionne sur le vide intérieur qui caractériserait l’existence en peinture, comparée aux corps sensibles, vivants et pleins de l’existence humaine. Parce que les corps sensibles renferment des multitudes de parties, imbriquées les unes dans les autres, ils se laissent bien évidemment ouvrir nous dit Cassou-Noguès, « comme on ouvre une orange ou un melon ».

Pour Sartori, la peinture, qu’elle soit appliquée sur une surface plane ou sur des volumes de bois aux qualités très variables, permet de considérer les objets comme des corps sensibles, des êtres vivants. La couleur est état d’âme. Elle est un mécanisme d’absorption en soi. Partout où elle s’étale, elle nourrit et renseigne celui qui est guidé par elle. Comme dans le roman de Cassou-Noguès, ce sont les visiteurs chargés de mots et de sentiments qui facilitent voyages et téléportations à travers la matière colorée. Si la peinture classique semble ignorer l’aléatoire, Sartori le réintègre dans sa pratique et en fait la structure de ce monde très humain, aux traits changeants et à l’instabilité évidente. L’artiste applique les colorants et la gouache parfois directement sur les objets et volumes, avec la main ou avec une spatule. Il joue avec ce qui se reproduit (architectures, paysages et sensations colorées) et ce qui ne se reproduit pas à priori (ustensiles, outils, chutes de matériaux), pour nous garder au plus proche de ces arrangements, troublés par cette impression étrange que l’objet a une voix propre comme lorsqu’on les côtoyait, enfant.

Ce travail nous montre des formes simples, mais peut-on véritablement les considérer comme simples? N’y a-t-il pas dans une forme simple—comme dans une situation franche—un retournement possible? Combien de fois atteignant son but le héros de roman ou de film d’aventure ne voit-il pas toute sa thèse, comme le décor, s’écrouler parce que quelque chose lui a échappé ? Ce quelque chose reviendrait à tromper les certitudes, comme on remet en question certaines formules du langage courant quand celles-ci se cristallisent en adages ou dictons qui circulent sans être spécialement interrogés. L’expression proverbiale est-elle figée pour tout le monde? Sartori est prêt à intervenir à cet endroit aussi. Le proverbe italien « Sul tagliere l'aglio taglia, non tagliare la tovaglia, la tovaglia non è aglio, se la tagli fai uno sbaglio » (« sur la planche à découper taille l’ail, ne taille pas la nappe, la nappe, n’est pas l’ail, si tu la tailles, tu te trompes ») connu comme un exercice de diction comique, mais pas uniquement, renferme des sens multiples qui stimulent les plus joueurs. Sartori y relève autant l’importance du bois de la planche à découper, que celle de l’ail devenu lui-même outil. L’ail taille à son tour et ce renversement crée un mouvement inédit que le langage n’est pas en mesure d’arrêter, enfin, pas dans l’immédiat.

CB

Ernesto Sartori est né en 1982 à Vicenza (Italie). Il vit à Bruxelles. Son travail a récemment fait l’objet d’une exposition personnelle à l’Espace Madeleine Lambert à Vénissieux (cur. Françoise Lonardoni). Il a été invité la même année à produire une installation monumentale pour le centre d’art Passerelle à Brest (exposition Vernacular Alchemists, cur. Etienne Bernard et Antoine Marchand), tandis qu’on a pu apercevoir son travail dans le cadre de la FIAC (Jardins des Tuileries) et de Sèvres Outdoors (Cité de la céramique de Sèvres). Il est intervenu en 2015 dans le cadre de la programmation hors-les-murs du Parc Saint-Léger. Il produit en ce moment une nouvelle installation pour le centre d’art de Colomiers et participe à l’exposition ARBAESAESBANM à l’académie des Beaux-Arts de Bruxelles.

Remerciements: Thibault Espiau, Camila Renz, Baptiste Pinteaux, Alex Balgiu & Katie Dallinger, Frank Balland (Parc Saint-Léger), Mélanie Vincent, Marie Cool Fabio Balducci.

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