Journal Notes from Backstage

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We come back with pleasure to the eccentric beauty of the films and installations of Pauline Boudry and Renate Lorenz. Their works always call for us to explore the best part of ourselves, this freedom and utmost openness we would like to practice each and every day, forsaking the social codes which impede us.
In an elated group spirit, they master to perfection the elaboration of letting go moments, which enable us to consider in a definitive queer mode the very contemporary subject of the cultural construction of identities.

In "Choosing the margin as a space of radical openness" (1), the author, teacher and militant feminist, bell hooks, imagines the margin as a possible space of resistance as well as oppression. From this marginal position may stem a radical openness, which would enable the creation of an alternative to the dominant world. The backstage that Pauline Boudry and Renate Lorenz have been staging for several years, can be understood as a pop figuration of that marginal space. With their fellow traveller Werner Hirsch (actor in the majority of their films up till now: Normal Work, N.O. Body, Charming for the Revolution, No Past/ No Future, Toxic) or Ginger Brooks Takahashi, they form a true troupe, whose backstage adventures are as crucial as what could happen "on-stage". Because what is important to them is not the show, this globalized entertainment form, but the marginal ways to address the public, which could be a queer version of the rocker’s interview after her_his stadium show. In Toxic, Werner Hirsch reenacts a fragment of an interview of Jean Genêt for the BBC, in which he finds fault in the technicians in charge of the recording to spur them to rebellion and speak out against the fact that the interviewers, true representatives of the law, try to suppress him into the televisual norm. This gap between the norm and the margin, the "on-stage" and the backstage, always reproduced in the works of Boudry and Lorenz, goads the spectator into considering a true aesthetic in the improvisation of the backstage, where everyone’s subjectivity lurks beyond the adoption of a normalized persona by the pre-established rules of the spectacle.

The partition of To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation, a composition by Pauline Oliveros and dated from 1971, asks each musician to choose five tones and to maintain them for a very long time. The interpreter's ability to improvise is thus put into the limelight, until, half way through the partition, they are asked to imitate the tones and modulations produced by the others, thus preventing the domination of an interpreter on another. It’s after having read the SCUM Manifesto, an anarcha-feminist manifesto by Valerie Solanas, that Oliveros created her musical opus. The choice of this partition as a backbone for Pauline Boudry and Renate Lorenz's latest film, emphasizes once again the marginal voice: the voice of Solanas, ambivalent figure of the New York underground, the one of Pauline Oliveros, little-known pioneer of electronic music, and that of their interpreters--artists and performers of an underground established here as a true space of radical openness.

Without any audience, beyond representation, the backstage--a witness to the transformation of musicians and actors from the city to the stage, and back again--is perhaps the ultimate free 'drag' moment, where one is both her_himself and other (and maybe even a third person), where the well-oiled mechanics of the show does not apply. A space of freedom and resistance where the theater’s fourth wall disappears. Backstage, the public comes to meet the artists, and the hierarchy implied by the show slowly dwindles. One can be eccentric with no goal, has no necessity to please the spectator, nor be the object of his scopic drive, nor replicate the active/passive divide that the show induces (2). The backstage is thus the place of an invention of one’s self, an image of the margin as a chosen place for an artistic position, that could have access to the center.
The backstage is "that space in the margin that is a site of creativity and power, that inclusive space where we recover ourselves, where we move in solidarity to erase the category colonized/colonizer." (3)
IA

(1) bell hooks, "Choosing the Margin as a Space of Radical Openness", 1989, available  here
(2) These notions (in relation to the cinema) are developed by Laura Mulvey in her book: Visual and other pleasures, second edition, ed. palgrave macmillan, 2009
(3) bell hooks, op. cit.

Pauline Boudry / Renate Lorenz live in Berlin. In 2013, they had solo presentations at Badischer Kunstverein, Karlsruhe, CAPC, Bordeaux, Fort Worth Contemporary Arts and Les Complices, Zürich. Toxic was produced at the occasion of the Triennale in Paris in 2012, and was shown during their exhibitions at les Laboratoires d'Aubervilliers and at South London Gallery on the same year. They have recently participated to the following collective shows: CAFAM Biennial, Beijing, Disobedience, Archive (The Republic), Castello di Rivoli, Torino, Per Speculum Me Video, Frankfurter Kunstverein, Bad Girls, FRAC Lorraine, Metz.
A new monographic publication will be published soon by Sternberg.

Special thanks to: Sonia Droulhiole, Camila Renz, Delphine Cornut, Les Laboratoires d'Aubervilliers (Amaury Seval, Mathilde Villeneuve), Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (Anne Dressen, Carmen Sokolenko), Badischer Kunstverein (Anja Casser, Nadja Quante), Les Complices (Andrea Thal), Robin Margerin, Raphaël Zarka, Natasa Petresin, Virginie Bobin, Electra (Irene Revell, Fatima Hellberg).

Nous revenons avec plaisir à la beauté excentrique des films et installations de Pauline Boudry et Renate Lorenz. Leurs œuvres nous poussent toujours à explorer la meilleure part de nous-mêmes, cette liberté et cette ouverture extrême que nous voudrions pouvoir exercer au jour le jour, nous défiant des codes sociaux qui nous encombrent. Dans un joyeux esprit de troupe, elles maîtrisent à la perfection l’élaboration de moments de lâcher-prise qui permettent de traiter sur un mode résolument queer le sujet particulièrement actuel de la construction culturelle des identités.

Dans "Choisir la marge comme espace d’ouverture radicale" (1), l’auteure, enseignante et militante féministe bell hooks imagine la marge comme possible lieu de résistance aussi bien que d’oppression. C’est de cette position marginale que peut advenir une ouverture radicale qui permettrait la création d’une alternative au monde dominant. Le backstage que Pauline Boudry et Renate Lorenz mettent en scène depuis quelques années, pourrait être compris comme une figuration pop de cet espace de la marge. Avec leur compagnon de route Werner Hirsch (acteur de la majorité de leurs films à ce jour : Normal Work, N.O. Body, Charming for the Revolution, No Past/ No Future, Toxic) ou Ginger Brooks Takahashi, elles forment une véritable troupe dont les aventures backstage sont aussi cruciales que ce qui pourrait se passer "on stage". Car ce qui leur importe n’est pas tant le spectacle, cette forme d’entertainment mondialisé, que des formes marginales d’adresse au public, ce qui pourrait être une version queer de l’interview du rocker après sa performance en stade. Dans Toxic, Werner Hirsch rejoue un passage d’une interview de Jean Genêt pour la BBC, dans laquelle ce dernier prend à parti les techniciens responsables de l’enregistrement pour les inciter à la rébellion et s’insurge que les interviewers, véritables représentants de l’ordre, essaient de le faire entrer dans la norme télévisuelle. Ce décalage entre la norme et la marge, le "on-stage" et le "backstage", sans cesse réitéré dans les œuvres de Boudry et Lorenz, pousse le spectacteur à considérer une esthétique propre à l’improvisation du backstage, où la subjectivité de chacun-e transparaîtrait par-delà l’adoption d’un personnage normalisé par les règles préétablies du spectacle.

La partition de To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation, composition de Pauline Oliveros datée de 1971, demande à chaque musicien-ne de choisir cinq tons et de les maintenir pendant un temps très long. La capacité d’improvisation des interprètes est donc mise en valeur, jusqu’à ce qu’au milieu de la partition, il leur soit demandé d’imiter les tons et modulations produits par les autres, empêchant ainsi la domination d’un-e interprète sur un-e autre. C’est après avoir lu le SCUM Manifesto de Valérie Solanas, manifeste anarcha-féministe, qu’Oliveros créa son opus musical. Le choix de cette partition comme épine dorsale du dernier film de Pauline Boudry et Renate Lorenz, met à nouveau l’accent sur la voix marginale : celle de Solanas, figure ambivalente de l’underground new yorkais, celle de Pauline Oliveros, pionnière de la musique électronique peu reconnue et celle de leurs interprètes, artistes et performers d’un underground posé ici comme lieu véritable de l’ouverture radicale.

Sans public, au-delà de la représentation, le backstage, témoin de la transformation des musiciens et des acteurs de la ville à la scène et vice-versa, est peut-être le moment de ‘drag’ ultime et gratuit, celui où l’on est à la fois soi et autre (et peut-être même une troisième personne), où la mécanique bien huilée du spectacle ne s’applique pas. Un espace de liberté et de résistance où le quatrième mur du théâtre disparaît. Backstage, le public vient à la rencontre des artistes, les hiérarchies induites par le spectacle s’amenuisent. On peut être excentrique mais sans but, sans nécessité de plaire au spectateur, sans être l’objet de sa pulsion scopique, sans répliquer la division actif/ passif que le spectacle induit (2). Le backstage est donc le lieu d’une invention de soi, une image de la marge comme lieu choisi pour une position artistique qui a pourtant accès au centre.
Le backstage est « cet espace dans la marge qui est un lieu de créativité et de pouvoir, un espace inclusif où nous recouvrons notre être, ou nous avançons solidaires, afin d’effacer les catégories colonisateur/colonisés. » (3)
IA

(1) bell hooks, "Choosing the Margin as a Space of Radical Openness", 1989, disponible ici, traduit en français par Mathieu K. Abonnenc et publié dans Petunia #3, juin 2011, disponible ici
(2) Notions largement explicitées par Laura Mulvey dans son recueil sur le cinéma : Visual and other pleasures, seconde édition, ed. palgrave macmillan, 2009
(3) bell hooks, op. cit.

Pauline Boudry / Renate Lorenz vivent à Berlin. En 2013, elles ont bénéficié d'expositions personnelles au Badischer Kunstverein, Karlsruhe, au CAPC, Bordeaux, à Fort Worth Contemporary Arts et Les Complices, Zürich. Produit dans le cadre de la Triennale à Paris en 2012, Toxic a été montré à l'occasion de leurs expositions aux Laboratoires d'Aubervilliers et à South London Gallery la même année. Parmi les expositions collectives auxquelles elles ont participé récemment on compte: CAFAM Biennial, Pékin, Disobedience, Archive (The Republic) à Castello di Rivoli, Turin, Per Speculum Me Video, Frankfurter Kunstverein, Bad Girls, FRAC Lorraine, Metz.
Une nouvelle publication monographique est en préparation chez Sternberg.

Remerciements: Sonia Droulhiole, Camila Renz, Delphine Cornut, Les Laboratoires d'Aubervilliers (Amaury Seval, Mathilde Villeneuve), Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (Anne Dressen, Carmen Sokolenko), Badischer Kunstverein (Anja Casser, Nadja Quante), Les Complices (Andrea Thal), Robin Margerin, Raphaël Zarka, Natasa Petresin, Virginie Bobin, Electra (Irene Revell, Fatima Hellberg).

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Pauline Boudry / Renate Lorenz