Marcelle Alix Marcelle Alix


Rebecca Brewer, Liz Magor, Marie Voignier

14.11.2014 - 24.01.2015, vernissage 14.11.2014

[en français plus bas]

By gathering Rebecca Brewer's, Liz Magor's and Marie Voignier's works, the exhibition we are building looks like these covers using the technique of patchwork quilt and its capacity to bring together heterogenous elements. The works presented in the exhibition are the results of a thought and practice of abstraction modulated by the contact with perceptible references, such as familiar or intimate objects. At the same time they remain sufficiently open to allow different potential readings and tune in with other nearby forms. If those works had arms, they would lock them together to intensify part of our memory and prevent repression or oblivion of any kind. Nothing could be sweeter than celebrating the gallery's fifth anniversary with this joyful and radically-open exhibition.

IA : I would like to start this discussion with Marie Voignier’s film, which we are showing. This mute ballet of female tour guides, evolving in different places, in an unidentified Asian country, makes me wonder about representations of the ‘Other’. We could well interpret the fact that Marie literally suppresses their speech as a form of violence. On the contrary, I think that taking away the ‘official’ speech that these North-Korean guides embody liberates our glance. No indication is given to the European spectator about the country where these scenes take place. We are thus freed from the prejudices we usually grow towards North Korea, this great ‘Other’ of Western democracy. What remains is a group of bodies that are constrained by the setup of visits, but that appear also very graceful at times. Marie Voignier allows us to appreciate what speech would have immediately disqualified. She also allows us to dream and to digress from these images. It is contrary to an essentialist representation of the Other, it rather represents the artist’s wish to open radically the possible interpretations of these images.

CB: It’s true that, with this film, a different reality is represented. Marie Voignier’s films are dealing with the unspeakable--not with a view to hiding something or to hiding oneself--but she is trying to address, in the contrary, questions that are veiled by daily life, and to seek in the heart of an individual’s life what determines and oppresses it, whoever the ‘Other’ is, whatever kind of exoticization we practice so she may seem closer to us. By filming the immediacy of life, Marie Voignier investigates the alienated forms it can take. The lack of speech makes these bodies seem more autonomous, I agree with you on this. By withholding part of the reality that can be recorded on the spot, Marie Voignier is showing us characters who are able to act as subjects. The being doesn’t give itself away as a trompe-l’oeil. The presence of these autonomous bodies, revealed by an active silence, conflicts with the universe of production and with the caricatured life that is a characteristic of consumer’s society. In a context complicated by a totalitarian logics the individual starts to look like a puppet imitating passions, just like in the film within Marie’s film. I think Liz Magor’s work puts forth the same voice of the invisible, so significant issues can emerge. Marie’s and Liz’s works never raise their voices, so to speak, never force their effects. They are able to position themselves at a certain distance from so-called ‘reality’ where everything is comedy, and to intensify its uncanny quality. But the path they take might lead to a vertiginous solitude, which we might perceive in the way Magor talks about a certain relationship to nature, which she interprets from her own situation.

IA: It is exactly what struck me when I met Liz Magor in Vancouver, where she is based. The direct confrontation to nature in the Western part of the American continent is such that it becomes inevitable for artists to deal with. Liz was telling me about the fantasy of a possible return to nature that her college mates had, something that would be linked to the figures of the Canadian bushwhacker and of the First Nations people. The Other seems to be the object of both fantasy and regulation (as First Nations’ claims are somehow heard), which helps Canadian artists question their set identity much more often than French artists do, for example. What I find very touching is what I am interpreting as a subtext to her works. Some of them replicate objects of the daily life of a Western woman emotionally attached to her papers, her blankets and her furniture. They form the ghost of an exoticized Western identity. I find this very beautiful and I am particularly struck by the way she underlines the fabrication of Western identity, like a mask one can wear. At Art Basel this year, she showed a photograph of a college friend playing an “Indian” in the woods. In parallel, her sculptural works stage the isolated life of a Western individual, living among (fake) objects. As soon as we conceive an identity we are fixing it and it is becoming a mask, which gives almost no information about reality.

CB: In Magor’s works, the Canadian landscape is rendered without romantic illusion. It is covered with information and comments. We can spot historical reminiscences and traces left by men. These are landscapes about which we could say, borrowing the phrase from Adorno, that someone has “run fingers through their hair”. Magor’s works allude to work and rest, to the intimate depths of living through replicas of domestic objects which solidify and objectify a certain fatality between the human body and materiality. This work evokes a sensuality of rainy days, when things are blurry, polished or porous, softened, folded, crumpled, abandoned, hallucinated for a moment, or fiddled with by a manic or an uninterested hand. Every work seems to question memory by a gesture that is both impotent and authentic. This association of words makes me think of the position that is devoted to painting today in France. It is a barbarian that we should beware of, so people address it in a defensive and indirect mode. Rebecca Brewer, just like Varda Caivano whose work we showed two years ago, is a painter who accepts the lie of painting. In a single work, she renders her own digestion of the contradictory movements of art history, starting with the gesture of covering to that of cutting and plowing, so the attractive diversity of the medium never dissolves and the work time is never either abstract or interchangeable. It is a manner of painting that enjoys jumping in time to assert personal contradictions (i.e. the absence of masks) and to surpass oneself. To a certain extent, the artist is reminding us that the others should be perceived for what they are and not according to what we wish they were.

IA: I have been feeling for a long time that painting has been this great Other for me, and maybe for a lot of people who are knowledgeable about contemporary art. The Other that is so difficult to talk about, as we fear we will appear cheesy because we make use of outdated terms of analysis—because we don’t know what it means to be a painter today, to limit oneself to one medium when contemporary times are about being transversal. Rebecca Brewer’s painting is not about being fixed on the medium. She explores the limits of figuration and abstraction, with the means of modernity, thus expressing a relationship to wilderness, and maybe incarnating a pre-historical figure of the painter. The shape of the large piece of felt that she painted on, where we can see the pigment clinging with difficulties to the woolen material, makes me think of the sketched drawings of the Pech-Merl cave and of the experiments that children can make before they acquire any artistic, technical know-how. Rebecca Brewer prefers to assert these expressive attempts, instead of controlling the expression through the reproduction of admitted forms. This is where her strength lies I think. I had this impression in her studio. She seemed to be trusting her work very much, and this contrasted with her discreet character. She is confident that she expresses herself best with painting, when the artistic scene in Vancouver is obviously not supporting that medium in particular. Her independent spirit, which is highly visible in her works, liberated me from any pressure to find words to talk about her painting. We talked about expression, colour, about her relationship to history and feminism. She has in common with Marie and Liz a subtle commitment to an art of honesty, stemming from a clairvoyant vision of their identities, and aiming at dispelling masks.

Rebecca Brewer was born in 1983 in Tokyo. She lives in Vancouver, Canada. A graduate of the Emily Carr Institute of Art and Design and of Bard College in New York, she is represented by Catriona Jeffries in Vancouver where she did a solo exhibition in 2014.

Liz Magor was born in 1948 in Winnipeg, Canada and lives in Vancouver. Her works were recently shown at Presentation House, Vancouver and at Triangle, Marseille (cur. Céline Kopp). The Power Plant in Toronto organized an important exhibition of her work in 2003. She participated to numerous collective shows at the Vancouver Art Gallery, the National Art Gallery in Ottawa, the Seattle Art Museum or the Wattis Institute, as well as Documenta 8 and the Venice Biennale. She is represented by Catriona Jeffries in Vancouver and Susan Hobbs in Toronto.

Born in 1974, Marie Voignier lives in Paris. Her video works were part of several exhibitions in 2014: at Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, at Centro Cultural Caixa à Sao Paulo (Os Tropicos, cur. Tobi Maier) and at Frac Poitou-Charentes in Angoulême. She participated to the Triennale at Palais de Tokyo, to Biennale de Rennes (2012) and to the Berlin Biennial (2010). Her film Tourisme International, which received an award at the last Festival International du Documentaire de Marseille (FID), is shown until January 11, 2015 at Museion in Bolzano, at the occasion of Soleil politique (cur. Pierre Bal-Blanc).

Saturday, Nov 22, the art center in Brétigny organizes a retrospective of Marie Voignier's films at the médiathèque and the Arlequin theater, Morsang-sur-Orge.
To attend the screening of Tourisme International, a free shuttle will leave at 7 pm from 104 avenue de France, 75013 Paris

Special thanks: Catriona Jeffries Gallery (Anne Low, Paul Jackson), Julien Duc-Maugé, Alexandre Erre, Camila Renz, Didier Semin


En réunissant le travail de Rebecca Brewer, Liz Magor et Marie Voignier, nous avons l’impression de construire une exposition dont la morphologie ferait penser à ces couvertures utilisant la technique du  patchwork et sa capacité à réunir des éléments hétéroclites. Les oeuvres présentées dans l’exposition sont autant le résultat d’une pensée et d'une pratique de l’abstraction, modulée et métamorphosée au contact de référents observables tels que des objets familiers et intimes, que la révélation d'oeuvres suffisamment ouvertes pour ménager plusieurs lectures potentielles et s’accorder aux autres formes côtoyées. Si ces oeuvres avaient des bras, elles les crochèteraient entre elles pour intensifier des régions de notre mémoire et empêcher tout rétrécissement, tout refoulement et tout oubli. Rien de plus agréable que de célébrer le cinquième anniversaire de la galerie par cette exposition joyeuse et radicalement ouverte.

IA : J'ai envie de commencer cette discussion par le film de Marie Voignier que nous montrons. Ce ballet muet de guides féminins qui évolue dans différents lieux, vraisemblablement en Asie, me fait m'interroger sur les représentations de "l'Autre". On pourrait interpréter comme une violence le fait de retirer la parole à ces femmes. Je crois qu'au contraire, soustraire la parole "officielle" que représentent ces guides nord-coréennes, libère notre regard. Le spectateur européen ne reçoit pas d'indications concernant le pays où se déroulent ces scènes, et nous sommes ainsi libéré-e-s des préjugés que nous nourrissons à l'égard de ce grand "Autre" de la démocratie occidentale que constitue la Corée du Nord. Il reste des corps contraints par la mise en scène des visites, mais parfois gracieux aussi. Il me semble que Marie Voignier nous permet d'apprécier ce que la parole aurait immédiatement disqualifié, de rêver, de digresser sur ces images. C'est le contraire d'une représentation essentialiste de l'Autre, plutôt une volonté d'ouverture maximale vis-à-vis de l'interprétation de ces images.

CB: C’est vrai qu’avec ce film une autre réalité est représentée. Les films de Marie Voignier parlent de l’ineffable et ce n’est pas pour cacher ou se cacher, mais au contraire pour énoncer des questions oblitérées par l’agitation ambiante et pourchasser au plus intime de l’existence individuelle ce qui la déterminent et l’oppriment, quelque soit « l’autre » et l’exotisation que l’on pratique pour que de lointain, il devienne proche. En filmant la vie dans son immédiateté, Marie Voignier enquête sur la forme aliénée qu’elle a prise. L’absence de paroles rend curieusement les corps plus autonomes, je te rejoins là-dessus. En ne donnant pas la totalité de ce qui peut être enregistré dans l’immédiat, Marie Voignier nous montre des personnages en mesure d’agir en tant que sujets. L’être ne se donne pas comme un simple trompe-l’oeil. Cette autonomie des corps, révélée par ce silence actif, entre en conflit avec l’univers de la production, avec cette caricature de vie que défend la sphère de la consommation, dans un contexte pourvu d’une logique totalitaire, où l’individu peut vite ressembler, comme dans le film à l’intérieur du film de Marie, à une marionnette imitant des passions. Il me semble que le travail de Liz Magor met en avant cette voix de l’invisible pour que des questions graves puissent émerger. Ce sont des oeuvres, chez l’une et l’autre, qui n’élèvent jamais le ton, ne forcent jamais leurs effets, et se placent à une certaine distance de la prétendue réalité où tout est comédie pour, avec lucidité, redoubler son étrangeté.  Mais peut-être que ce chemin qu’elles empruntent conduit vers une solitude vertigineuse, comme celle que l’on entrevoit dans la façon qu’à Magor de nous parler d’un certain rapport à la nature, dans sa manière de la déchiffrer, depuis sa situation.

IA: C’est ce qui m’a frappée c’est vrai quand j’ai rencontré Liz Magor à Vancouver, où se trouve son atelier. La confrontation directe à la nature dans l’ouest du continent américain est telle, qu’il semble inévitable pour ces artistes d’en faire quelque chose. Liz me racontait le fantasme de retour à la nature que nourrissaient ses amis de fac, comme un mythe originel de l’homme des bois canadiens, proche de la figure de l’indigène des First Nations. Il y a ainsi une figure de l’Autre à la fois fantasmée et régulée par les revendications des First Nations, qui fait je crois que les artistes canadiens se posent la question de leur propre identité beaucoup plus que les artistes français par exemple. Ce que je trouve touchant chez Liz, c’est ce que je lis comme une espèce de sous-texte à ses œuvres qui miment des objets du quotidien d’une femme occidentale attachée à ses papiers, ses couvertures, ses meubles. Le fantôme d’une identité occidentale exotisée. Je trouve ça très beau, et cela me touche particulièrement la façon dont elle souligne la fabrication de l’identité occidentale, comme un masque. À la foire de Bâle cette année, elle a montré une photographie de ses amis de fac jouant aux « indiens » dans la forêt. Parallèlement, ses oeuvres mettent en scène une vie occidentale de personne seule, vivant au milieu d’objets. A partir du moment où nous concevons une identité, nous la figeons et elle devient un masque, ne donnant que peu d’information sur la réalité.

CB: Chez Magor, le paysage canadien est restitué sans illusion romantique. Il est recouvert d’informations et de commentaires. On y retrouve des réminiscences historiques et les traces que l’homme y a laissé. Ce sont des paysages dont on serait tenté de dire, selon la très belle expression d’Adorno, que quelqu’un leur a passé la main dans les cheveux. Les oeuvres de Magor respirent le travail et le repos, les profondeurs intimes du vécu à travers la réplique d’objets domestiques qui durcit et réifie une certaine fatalité entre le corps humain et le matériel. Il y a dans ce travail une sensualité de jour de pluie où les choses sont brouillées, polies ou poreuses, amollies, repliées, chiffonnées, abandonnées, délaissées, hallucinées l’espace d’un instant ou encore triturées par un jeu de main maniaque ou désintéressé. Chaque oeuvre semble poser la question du souvenir, à travers un geste tout à la fois impuissant et authentique. Ces deux mots associés me font penser à la place accordée à la peinture en France, aujourd’hui. Elle est ce barbare dont il faut se méfier, ce qui occasionne des approches sur le mode défensif et indirect. Rebecca Brewer, tout comme Varda Caivano dont nous avons présenté le travail il y a deux ans, est une peintre qui assume le mensonge de la peinture. En une oeuvre, elle restitue sa propre digestion des mouvements contradictoires de l’histoire de l’art, depuis le geste de recouvrir à celui de sectionner et labourer afin que l’attrayante diversité ne se dissolve jamais et que le temps de travail ne soit ni abstrait, ni interchangeable. C’est une manière de peindre qui s’amuse à faire des bonds dans le temps pour mieux assumer une contradiction toute personnelle (l’absence de masque) et se dépasser soi-même. D’une certaine façon, l’artiste nous rappelle que l’autre doit être perçu pour lui-même et non selon notre propre volonté.

IA: Je sens depuis longtemps que la peinture, pour moi et peut-être pour beaucoup de gens qui connaissent bien l’art contemporain, est ce grand Autre. Celui sur lequel on a du mal à dire quelque chose de peur de paraître ringard en employant des termes d’analyse dépassés--parce qu’on ne sait plus très bien ce que ça veut dire être peintre aujourd’hui, se « limiter » à un seul médium, quand l’époque contemporaine est celle de toutes les transversalités. La peinture de Rebecca Brewer n’est cependant pas dans une fixation sur le médium, elle exprime, à la limite de la figuration et de l’abstraction, avec des moyens de la modernité, un rapport au sauvage, incarnant peut-être une figure pré-historique du peintre. Cette grande pièce de feutre sur laquelle elle a peint, le pigment accrochant difficilement le matériau laineux, me fait penser par sa forme aux esquisses de la grotte de Pech-Merle, et à ces expérimentations que l’on fait enfant, sans avoir acquis le savoir-faire technique de l’art. Assumer ces tentatives expressives, plutôt que contrôler l’expression par des formes admises, me paraît être la grande force de Rebecca. J’avais eu cette impression dans l’atelier. Emanait d’elle une grande confiance dans le travail, malgré un caractère plutôt réservé. Une assurance que la peinture était ce qui lui permettait de s’exprimer au mieux, alors même que la scène artistique de Vancouver n’est clairement pas tournée vers ce médium. Son esprit d’indépendance, visible dans ses œuvres, m’a libérée de la pression de trouver des mots pour parler de sa peinture. Nous avons au contraire parlé d’expression, de couleur, de rapport à l’histoire, de féminisme. Elle a de commun avec Marie et Liz un engagement subtil, à partir d’une vision clairvoyante de leur identité, envers un art de l’honnêteté qui s’attache à dissiper les masques.

Rebecca Brewer est née en 1983 à Tokyo. Elle vit à Vancouver,  Canada. Diplômée de l’Emily Carr Institute of Art and Design et de Bard College à New York, elle est représentée par la galerie Catriona Jefferies à Vancouver qui lui a consacré une exposition personnelle en 2014.

Liz Magor est née en 1948 à Winnipeg, Canada et vit à Vancouver. Ses derniers travaux ont été présentés à Presentation House, Vancouver et à Triangle, Marseille (cur. Céline Kopp). Le Power Plant à Toronto a organisé une importante exposition autour de son travail en 2003. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives à Vancouver Art Gallery, à la National Art Gallery à Ottawa, au Seattle Art Museum ou au Wattis Institute, ainsi qu'à Documenta 8 et à la Biennale de Venise. Elle est représentée par Catriona Jeffries à Vancouver et Susan Hobbs à Toronto.

Née en 1974, Marie Voignier vit à Paris. Son travail de vidéaste a fait l’objet de plusieurs expositions en 2014: au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, au Centro Cultural Caixa à Sao Paulo (Os Tropicos, cur. Tobi Maier) et au Frac Poitou-Charentes à Angoulême. Elle a également participé à la Triennale au Palais de Tokyo, à la Biennale de Rennes (2012) et à la Biennale de Berlin (2010). Son film Tourisme International, récompensé au Festival International du Documentaire de Marseille (FID) par un prix et deux mentions spéciales, est visible jusqu’au 11 janvier 2015 au Museion à Bolzano, dans l’exposition Soleil politique (cur. Pierre Bal-Blanc).

Samedi 22 novembre, le centre d'art contemporain de Brétigny organise une rétrospective des films de Marie Voignier à la médiathèque et au théâtre de l'Arlequin, à Morsang-sur-Orge.
Pour assister à la séance de Tourisme International, une navette gratuite (A/R) partira à 19h du 104 avenue de France, 75013 Paris

Remerciements: Catriona Jeffries Gallery (Anne Low, Paul Jackson), Julien Duc-Maugé, Alexandre Erre, Camila Renz, Didier Semin