Je t'embrasse tous

[plus bas en français]

Four years after The Cloven Viscount, the group show to which we'd invited Jean-Charles de Quillacq, we are reconnecting with him again as if reviving ties with a family member who's been away but remains a part of us. There probably is a common DNA binding Marcelle Alix to this artist; it pushes us to search for the similar in all of us, whatever our identities, affiliations, opinions or origins may be: an internal community, one made of guts and mucous membranes from which we can practice the compassion and kindness we seek, again and again.

CB: The work of Jean-Charles de Quillacq appears to me as the opposite of "the neurotic individual myth" (described by Jacques Lacan as a form of narcissistic split in his eponymous conference in 1953). The first piece I saw (which I associate to the Bétonsalon art space), his performance Quillacq Ouverte (2010) was a milestone for me in the sense that the artist managed to expose his body through the prism and unlimited transformation potential of mythology. There he was, in front of the arts center's facade, carrying a sign, eyes closed, with painted eyes 'à la Cocteau', framed by two images representing female figures that had been installed on the windows as if to enclose his untouchable guardian pose. This ability to invite us to a voyage through the body is carried by as irrefutable a genealogy (several pieces are devoted to his sister, a reflection of himself, a total accomplice) as it is by disorder. The notion of an expanded genealogy based on something else than blood ties touches me particularly: I think I understand Jean-Charles's motivation in creating a family from scratch. Tell me if I'm wrong but, for me, a partly imaginary kinship is a way to avoid rigid forms in order to fully experience a state of permanent transformation. To me, Jean-Charles's oracular acumen is based on abstraction, while we are usually always drawn to very linear situations defined by norms.

IA: Yes! I see what you mean. Mythologies--again and again showing examples of non-linear filial relationships, ties against nature or even cannibalism, are an interesting starting point to reflect on Jean-Charles's work. It has to do with the desiring potential of the entire body, beyond decency and social norm, avoiding--unlike Freud does with Oedipus--the reduction of the myth to a story carved in stone or in the unconscious*. On the contrary, I think his works lead us to consider the myths in relationship to our most basic functions. I don't know why but it also reminds me of Antonin Artaud: this 'head in the stars and feet in the dirt' aspect. The most recent performance of Jean-Charles at Palais de Tokyo, where he had plastered his hands around a vacuum cleaner hose**, included these 'vulgar' elements: because of the cast, his inability to do anything required that Jean-Christophe Arcos (the curator who'd accepted the project beforehand) had to take care of all the artist's needs during the weekend-long performance. He was thus going to have to assist him in his most basic functions: dropping his pants, spoon-feeding him or blowing his nose... all in the name of art's sake! The idea might seem ironic but, in reality, it wasn't that at all. The project operated on a first degree level for both of them: the artist relied on the curator and the curator took on the burden of the handless artist's body... I have always liked artists who operate on the first degree, as a matter of fact, I hate ironic works. When ironical, we draw back and can never achieve this human condition that's so moving: 'dirt and the stars', right?

CB: Yes, I agree. The issue of distance is very important. Jean-Charles is one of these artists who rely on instinct. To find less visible and deeper kinship, he creates non-standard situations and to achieve them, he must, like the Axolotl, be able to spend his entire life in the larval stage, never reaching metamorphosis. It's through his production that he defies fixity and History as it was written. The Palais de Tokyo performance you describe, not unlike what he had done at the gallery during the exhibition The Cloven Viscount in 2012, was also a way to move forward in a hidden mode, half revealed. There was something strange to see Jean-Charles move about, his face and torso partially hidden behind a blue shirt suspended on a hanger he clutched between his teeth. Again, it comes down to a position that's noble and unstable at the same time, both divine and diabolical: I'm here, I'm mimetic, I am with others, with the works that I gently activate and at the same time, I am intimidating, mute, statuesque, paralyzing, transvestite, invisible ...

IA: That's it precisely! and that's what I love above all in Jean-Charles's work. This way in which he assumes the sculptor's position--such a standardized one, and twists ideas that are traditionally attached to it, in particular that of the 'big gesture' whereby a flock of assistants help the master. Here, on the contrary, it rather has to do with a laborious practice, a humble and solitary one ; it is about placing less emphasis on the importance of the hand than on the holes and pipes or a sense of intimacy with the work. Processes that the artist invents in order to produce his pieces are reminiscent of the methods he uses in his performances since his body is always closely tied to production. For example, Blue-jean, the sculpture we are showing, was produced 'with the mouth' by the artist who blew blue ballpoint ink on resin to give it its purplish color. Specifically, Jean-Charles purchased hundreds of biros and blew them one by one on the sculpture using his lips and breath. When this process is revealed, it gives an idea of something slightly extraordinary, kind of a feat, but also sounds utterly ridiculous. What I love about this work and more generally in an art that I would call 'queer' is that it gives the opportunity for ridicule and humiliation to become sublime, to qualify as sculpture and to occupy a rightful place alongside the 'big' names. It reminds us this is not about 'the performer' on the one hand and about 'the sculptor' on the other; any sculptor is also a performer who risks a 'major fail' at any given time.

CB: The two sculptures entitled Cigarette after sex and Mégot (Butt-end) which are featured in our show crystallize the idea of an oral sculpture. The artist coated baguettes of abnormal lengths with tarbender in order to solidify them. One of them looks like an unburned cigarette while the other is a butt. Bread eating or cigarette smoking induces that two things of a very different nature pass through the same cavity. In the past, the artist will rather have become blind, one-eyed or maimed but never were his lips sealed. It's probably no coincidence that one finds in his work a number of images associated with an eroticism of fluids, an aquatic sexuality. Making sculptures as a fish in love, to live one's life as close to a seaweed as to a blue ink stream is an easy thing for the artist, all he needs is desire. What puts Jean-Charles among the names that will be remembered for long is his ability to fully express the enjoyment to dwell close to the subject, with mouth and nose rather than eyes and hands. One gets dirtier, thus, and all the more when one enters within.

"I was sitting there in front of her but at the same time, it seemed to me that a part of me, or my entire self maybe, was contained in her mouth, lacerated, fiber after fiber. And the situation was not entirely passive either for while I was chewed by her, I also felt as if I was acting upon her, I was transmitting sensations that spread from her taste buds to her entire body and it was me, I thought, who provoked each of her vibrations: it was a mutual and comprehensive report which involved us and carried us away." Italo Calvino, Under The Jaguar Sun, 1988

* I actually used a phrase from The Anti-Oedipus by Deleuze and Guattari as the title of text which was published in the short monograph about the artist that Villa Arson published in 2015: "It breathes, it heats up, it eats. It shits, it screws".
** Oh ! Divisi, divisi, divisi…, festival Do Disturb, April 8-10, 2016

Jean-Charles de Quillacq was born in 1979; he lives in Sussac, Limousin. A resident of the 5/7 program at Villa Arson from 2013 to 2015, he took part in the exhibition L'après-midi (cur. Mathieu Mercier) at the art center. His work has also been shown at the Ricard Foundation in the framework of the Humainnonhumain exhibition (cur. by Anne Bonnin in 2014), as well as at the CNEAI in Chatou; gallery Juliette Jongma, Amsterdam; Klemm's Gallery, Berlin; Salon de Montrouge (2011) and Bétonsalon (2010). He graduated from the Ecole des Beaux-Arts in Lyon and is a former resident of the Rijksakademie, Amsterdam. A short monograph of his work has been published by Villa Arson in 2015.

Jean-Charles de Quillacq's work Le mème will be presented in the gardens of Cité de la Céramique de Sèvres as part as Sèvres Outdoors from June 10 to October 23.

Special thanks: Baptiste Pinteaux, Camila Renz, François Orphelin, Catherine Barbier, Mathieu Mercier, Joseph Mouton, Capucine Orsel, Marie Proyart, Clément Rodzielski and Valentin.

Quatre ans après l’exposition collective Le vicomte pourfendu, à laquelle nous l’avions invité à participer, nous "renouons" avec Jean-Charles de Quillacq, comme on renoue avec un membre de sa famille qui se serait éloigné. C’est sans doute un ADN commun qui lie Marcelle Alix à cet artiste et nous pousse à aller chercher ce qu’il y a de semblable en chacun de nous, quelles que soient nos identités, nos appartenances, nos opinions, nos origines. Une communauté de l’intérieur, des entrailles et des muqueuses, à partir de laquelle nous pouvons exercer la compassion et la bienveillance que nous recherchons encore et toujours.

CB : Le travail de Jean-Charles de Quillacq me paraît être le contraire du « mythe individuel du névrosé » (décrit comme une forme de dédoublement narcissique par Jacques Lacan dans une conférence éponyme qui date de 1953). Dès les premières pièces que j’associe à l’espace de Bétonsalon, sa performance Quillacq ouverte (2010) fut pour moi un évènement marquant, dans le sens où l’artiste réussit à exposer son corps à travers le prisme de la mythologie et des pouvoirs de transformation illimités dont elle regorge. Il était là, devant la façade du centre d’art debout avec sa pancarte, les yeux fermés, les paupières peintes "à la Cocteau", deux images de figures féminines installées sur les vitres pour clôturer cette attitude de gardien intouchable. Cette capacité à nous inviter à voyager à travers les corps passe autant par une généalogie aussi irréfutable (plusieurs pièces sont consacrées à sa soeur, reflet de lui-même, complice totale) que trouble. La conception d’une généalogie élargie à d’autres liens que ceux du sang me touche particulièrement dans le sens où je crois comprendre ce qui pousse Jean-Charles à se créer une famille de toutes pièces. Dis-moi si je me trompe, mais pour moi la filiation liée à une construction en partie imaginaire est une façon d’éviter les formes rigides pour vivre un état de transformation permanent. Pour moi, l’habileté oraculaire de Jean-Charles repose sur une abstraction, alors que nous sommes généralement toujours poussés vers une situation très linéaire définie par la norme.

IA : Oui je vois ce que tu veux dire, les mythologies qui donnent des exemples de relations filiales non-linéaires, contre-nature, ou même de cannibalisme sont un point de départ intéressant pour penser le travail de Jean-Charles. C’est renouer avec le potentiel désirant du corps tout entier, au-delà de la bienséance et du social, en évitant la réduction du mythe, comme le fait Freud avec Œdipe, à une histoire gravée dans le marbre et dans l’inconscient*. Au contraire, je trouve que c’est un travail qui nous conduit à considérer les mythes dans le rapport qu’ils ont à nos fonctions les plus primaires. Je ne sais pas pourquoi mais cela m’évoque Antonin Artaud aussi, ce côté "tête dans les étoiles et pieds dans la merde".
La dernière performance de Jean-Charles au Palais de Tokyo, pour laquelle il s’était fait plâtrer les mains autour d’un tuyau d’aspirateur**, comportait ces éléments "vulgaires" : son incapacité à faire quoi que ce soit à cause du plâtre obligeait le commissaire d’exposition Jean-Christophe Arcos (qui avait accepté le projet au préalable) à prendre soin de l’artiste pendant tout le week-end de la performance. Il allait donc devoir l’assister dans ses fonctions les plus primaires : baisser son froc, lui donner la becquée, le moucher… tout cela au nom de l’amour de l’Art ?! L’idée pouvait paraître ironique mais cela ne l’était pas du tout dans la réalisation. Le projet était au premier degré pour chacun d’eux : l’artiste qui s’en remettait au commissaire et le commissaire qui recevait le fardeau du corps de l’artiste sans mains… J’ai toujours aimé le premier degré chez les artistes, je déteste les œuvres ironiques en fait. Si on est ironique, on prend de la distance, et on n’arrive jamais à atteindre cet état humain si émouvant : la merde et les étoiles, non ?

CB : Oui, je suis d’accord. Cette question de la distance est très importante. Jean-Charles correspond à ces artistes qui ont de l’instinct. Pour découvrir des parentés moins visibles et plus profondes, il crée des situations hors-normes. Et pour les atteindre, il doit être comme l’axolotl, capable de passer toute sa vie à l’état larvaire sans jamais se métamorphoser. C’est à travers sa production qu’il défie la fixité et l’Histoire telle qu’elle a été écrite. La performance au Palais de Tokyo que tu décris, comme celle qu’il avait réalisée à la galerie à l’occasion de l’exposition Le vicomte pourfendu (2012) était aussi une façon d’avancer masqué, à demi dévoilé. Il y avait quelque chose d’étrange à voir se déplacer Jean-Charles, le buste et le visage en partie dissimulés derrière une chemise bleue présentée sur un cintre qu’il serrait entre ses dents. Encore une fois, il est question d’une position à la fois noble et bancale, divine et diabolique : je suis là, je suis mimétique, je suis avec les autres, avec les œuvres que j’active doucement et en même temps, je suis intimidant, mutique, statuesque, médusant, travesti, invisible…

IA : C’est tout-à-fait ça ! et c’est ce que j’aime avant tout dans le travail de Jean-Charles. Cette façon d’assumer la position du sculpteur si normée et de la détourner des idées qui lui sont traditionnellement attachées. Notamment celle du "grand geste" du sculpteur aidé de ses assistants. Ici il s’agit plutôt d’être dans un travail laborieux, humble, solitaire, qui insiste moins sur l’importance de la main que sur les orifices et les tuyaux, sur une intimité de l’œuvre. Les techniques inventées pour produire les pièces rappellent les procédés utilisés dans les performances, puisque le corps de l’artiste est toujours étroitement lié à la production. Par exemple, la sculpture Blue-jean que nous exposons, a été réalisée "à la bouche" par l’artiste, en soufflant de l’encre bleue de stylo Bic sur la résine jusqu’à lui donner cette couleur violacée. Concrètement, Jean-Charles s’est procuré des centaines de stylos Bic et les a vidés un à un sur la sculpture en utilisant ses lèvres et son souffle. Quand on explique cela, on donne l’idée de quelque chose d’un peu extraordinaire, de l’ordre de l’exploit, mais aussi de complètement ridicule. Ce que j’aime dans ce travail et plus largement dans un art que je qualifierais de queer, c’est qu’il donne la possibilité au ridicule, à l’humiliation de devenir sublime, de se qualifier comme sculpture, d’occuper une place légitime à côté des "grands" noms. Il rappelle qu’il n’y a pas "le performeur" d’un côté et "le sculpteur" de l’autre, que chaque sculpteur est aussi un performeur qui risque le "bide" à tout moment.

CB : Les deux sculptures intitulées Cigarette after sex et Mégot qui sont montrées dans l’exposition cristallisent cette idée d’une sculpture buccale. L’artiste a enduit de tarbender pour les solidifier des baguettes de pain aux longueurs anormales. L’une ressemble à une cigarette non consumée, l’autre à un mégot. Manger le pain ou fumer la cigarette induit que deux choses de nature très différente passent par la même cavité. L’artiste aura préféré être aveugle, borgne ou manchot par le passé, mais jamais bouche close. Ce n’est sans doute pas pour rien que l’on trouve dans son œuvre un certain nombre d’images associées à un érotisme tout en fluide, une sexualité aquatique. Faire des sculptures comme un poisson amoureux, se vivre aussi proche d’une algue que d’un filet d’encre bleue, c’est simple pour l’artiste, il lui suffit de le désirer. Ce qui place Jean-Charles parmi les noms dont on se souviendra longtemps, c’est cette faculté d’exprimer pleinement la jouissance que ça représente d’être au plus près de la matière, avec la bouche et le nez, plus qu’avec les yeux et les mains. On se salit ainsi davantage puisque ça rentre au dedans.

« J’étais assis là devant elle, mais il me semblait en même temps qu’une partie de moi, ou tout moi-même, était contenu dans sa bouche, lacéré fibre après fibre. Et la situation n’était pas complètement passive car, tandis que j’étais mâché par elle, je me sentais aussi en train d’agir sur elle, je transmettais des sensations qui se propageaient de ses papilles à tout son corps, c’était moi, me semblait-il, qui provoquais chacune de ses vibrations : c’était un rapport réciproque et complet qui nous impliquait et nous emportait. » Italo Calvino, Sous le soleil jaguar, 1988

* J’ai d’ailleurs utilisé une phrase issue de l’Anti-Oedipe de Deleuze et Guattari comme titre d’un texte paru dans la courte monographie de l’artiste publiée par la Villa Arson en 2015 :
« Ca respire, ça chauffe, ça mange. Ca chie, ça baise ».
** Oh ! Divisi, divisi, divisi…, festival Do Disturb, 8-10 avril 2016

Jean-Charles de Quillacq est né en 1979, il vit à Sussac, Limousin. Résident du programme 5/7 de la Villa Arson de 2013 à 2015, il a participé à l’exposition L’après-midi (cur. Mathieu Mercier) au centre d’art. Son travail a également été montré à la Fondation d’entreprise Ricard dans le cadre de l’exposition Humainnonhumain (cur. Anne Bonnin, 2014), au CNEAI, Chatou, à la galerie Juliette Jongma, Amsterdam, à la galerie Klemm’s, Berlin, au Salon de Montrouge (2011) et à Bétonsalon (2010). Il est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon et ancien résident de la Rijksakademie, Amsterdam.
Un court ouvrage monographique a été publié en 2015 par la Villa Arson.

L'oeuvre Le mème de Jean-Charles de Quillacq sera présentée dans les jardins de la Cité de la Céramique de Sèvres dans le cadre de Sèvres Outdoors du 10 juin au 23 octobre.

Remerciements: Baptiste Pinteaux, Camila Renz, François Orphelin, Catherine Barbier, Mathieu Mercier, Joseph Mouton, Capucine Orsel, Marie Proyart, Clément Rodzielski et Valentin.

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