Marcelle Alix Marcelle Alix

Plus de voix humaines, seulement le chant des oiseaux

Louise Hervé & Clovis Maillet

05.04.2018 - 26.05.2018, vernissage 05.04.2018

[en français plus bas]
"Trying to be (to follow) every animal, to curl up in the otherness from which their shape reaches us - that is to say, for instance, being very heavy or very light, perhaps flying, in the unexpected immensity of space, in the ephemeral: we cannot do so. It is a thought, just a thought, escapism from narrow-mindedness. However, what it implies - which is that every existence, origin and formation must be maintained in its access to openness and thus preserved -, may be captured differently than in passing."
Jean-Christophe Bailly, Le parti pris des animaux*

CB: It appears to me more clearly today, the idea that the gallery exhibitions, like the texts that we write, may not simply be assumptions but forms, lively reliefs, from which our lives are inevitably made equal. The previous exhibition, Je t’épaule tu me respires, multiplied interactions and caring gestures. Showing what connects us to what is presumably inanimate, it gathered each artist’s practice and promoted the dissolution of individual motivations to the benefit of this solidarity-based and collegial vow, which consists in letting the works speak for themselves, and including them within the flow of our own words and activities. What Louise Hervé and Chloé Maillet propose is just as loving in its processes. They conceived an exhibition that puts forward the joy of animals and their own delight in sharing a "formalist" interpretation of art, with all the complex genealogies that are implied when the border between the animal and the human world no longer exists. Like Saint Francis of Assisi fraternally interacting with all the birds, it is with tenderness that they engage in a dialogue with the kea parrots from the Ménagerie of the Jardin des Plantes in order to rediscover the ability and virtuosity of these parrots encountered earlier in New Zealand, where they come from. I like the way these bird siblings and the duo praise creation and all the opportunities arising from it. The fact that the first of these opportunities is to pay attention to all sensitivities without turning the animal into an image but rather into an ingenious creator, ready to intervene if it wants to, is comforting, don’t you think ?

IA: Yes, like you I find it comforting to think that humans aren’t the only ones creating in this world. Critical writing of history of art has worked, for the past 40 years, to demolish the figure of white, male 'genius', in order to build a more inclusive image of the artist. To further deconstruct a dominant model, it is fascinating to embrace this way of thinking about the world, which looks everywhere for the creative diversity of the living world, including among animals and plants. Why don’t we also question, with Mel Chen, the hierarchy between the animate and the inanimate that is established in languages, and which remains the origin of all our exclusion**?
Working as a duo seems to be what allows Louise and Chloé to raise the question of a collaboration that goes beyond the human world. As previously evoked with Claire Le Restif, in the context of their exhibition which has just ended at the Ivry Contemporary Art Center - le Crédac, they consider all these projects as an opportunity to think about a collective that is continuously reconfigured. Whether dealing with spiritist or Saint-Simonian communities, David’s pupils abandoning painting for performance, or Pythagoras’s pupils, the idea of creative collaboration remains their main issue. As if the duo was the smallest community but already a space providing all kinds of emancipatory possibilities, from which we can partner with who (or what) we want to reconfigure the order of things. This results in more or less ephemeral unions, and it is this union - that of Louise and Chloé with the kea parrots -, that we are presenting today at the gallery.

CB: In order to make this relationship with the kea parrots more apparent throughout the exhibition, the duo took care to reflect upon the ways in which these parrots would use the gallery space and objects if they were to come visit us. Keen on walking, using their wings only to travel long distances, there was no question of imagining a situation that would only consider the human scale, and yet without making it disappear. The term negotiation seems appropriate in such context, as it is about simultaneously imagining a union, as you put it, and an emancipatory desire on both sides, without it being self-evident. I believe it is essential that artists, as well as ourselves - since we are involved in all the preparation prior to the exhibition -, remain sensitive to the distance that is yet to be completed towards a form of freedom of thought and enrichment, while kea parrots experience captivity, and while we are engaged in an exercice, whose codes - even though they are regularly questioned and rethought -, can easily produce gaps between a solitary way of life that is freed from many rules, and a display principle that plays with a common language. Conceiving the exhibition as a moment during which it is eventually less about shining than giving way to something that we carry further within ourselves. Once we return to the streets, will our thoughts be directed towards the exhibition or towards others, who/what-ever they might be, with this simple and gentle desire to synchronise ourselves.

IA: Indeed, the exhibition provides a form of synchronisation with the birds from the Ménagerie of the Jardin des plantes, which will be studied by the artists throughout these two months, reporting the results of their observations in the gallery, as well as the encounter with the kea parrots from New Zealand that we see in the film shown in the basement. The objects exhibited function on the basis of gifts / contra-gifts: in the first room, presents given to the kea parrots for the game, artwork replicas (scarpette by Marisa Merz, mobile by Man Ray), and in the second room, the reproductions of objects made of plants, which were given to the artists by a kea parrot, and preserved glass showcases. Drawing on the anthropologist Marcel Mauss, one can therefore imagine that the exhibition constantly reactivates the social link between Louise and Chloé and the birds. More than an ephemeral union, what they eventually seek to form is an interspecific community, Antoine Chopot's "more than human communities" that instantly urge us to define an "‘us’ (…) that is increasingly committed beyond humanity".***

*Ed. Christian Bourgois, Paris, 2013, p.52
**Mel Y. Chen, Animacies : Biopolitics, Racial Mattering and Queer Affects, Duke University Press, Durham, 2012
***Antoine Chopot, Les communautés plus qu’humaines, Appareil, n°16, 2015

The artistic practice of Louise Hervé and Chloé Maillet centres on the act of narration. Their stories bring together historical facts, fiction and new realities and take the form of films, installations and performative conferences: a mixture of lecture, performance and conference. Their mode of operation combines scientific discourse with personal comments and is described as an archaeology of knowledge. They were born in 1981 and have been working together in Paris since 2000. They founded I.I.I.I. (International Institute for Important Items) in 2001. The Contemporary Art Gallery in Vancouver (CAN), the Synagogue de Delme (FR), FRAC Champagne Ardenne (FR), Kunstverein Braunschweig (DE), Kunsthal Aarhus (DK) and Crédac-contemporary art center in Ivry-sur-Seine, have organized solo presentations of their work.

In partnership with the exhibition, Hervé and Maillet’s 2009 film, An important project, will be shown at Le Carreau du Temple, April 7 to May 26 (locker room n°9). Opening on Friday, April 6, 6:30pm [sign up here to attend the opening]

Special thanks to: Te Whare H?ra Wellington International Artist Residency (Ann Shelton), Raynald Belay, Michel Saint-Jalme, Aude Bourgeois, Newton, Sawyer, Pandora, Stéphane Pelletier, Nicolas Hautbois, L'Atelier Gamil, Paul Macaire.


« Essayer d’être (de suivre) chaque animal, d’aller se lover dans l’ailleurs d’où leur forme nous parvient, c’est-à-dire par exemple être très lourd, ou très léger, voler peut-être, dans la surprise de l’immensité de l’espace, dans l’éphémère : on ne le pourra pas. C’est une pensée, juste une pensée, une évasion hors de l’étroitesse spirituelle. Mais par contre ce qu’elle implique, et qui est que toute existence, toute provenance, toute formation soit maintenue dans son accès à l’ouvert et donc préservée, cela, nous pouvons peut-être le tenir autrement qu’en passant. »
Jean-Christophe Bailly, Le parti pris des animaux*

CB : Cela m’apparaît aujourd’hui avec plus de clarté, l’idée que les expositions à la galerie, comme les textes que nous écrivons, ne soient pas simplement des hypothèses mais des formes, de vifs reliefs, à partir desquels nos vies s’égalisent inévitablement. L’exposition précédente, Je t’épaule tu me respires, multipliait les contacts et les gestes d’attention. En montrant ce qui nous unit à ce qui est à priori inanimé, elle rassemblait les pratiques de chaque artiste et privilégiait une dissolution des motivations individuelles au profit de ce vœu collégial et solidaire qui consiste à laisser parler les œuvres, à les inclure dans le flux de nos propres paroles et activités. Ce que nous proposent Louise Hervé et Chloé Maillet est tout aussi amoureux dans ses processus.  Elles conçoivent une exposition qui met en avant la part de joie chez les animaux et la leur à partager une interprétation « formaliste » de l’art, avec toutes les généalogies complexes que cela suppose lorsque la frontière entre le monde animal et humain n’existe pas. Comme Saint François agissant fraternellement avec tous les oiseaux, c’est avec tendresse qu’elles dialoguent aujourd’hui avec les kea de la ménagerie du Jardin des plantes pour retrouver l’habileté et la virtuosité de ces perroquets rencontrés plus tôt, en Nouvelle-Zélande d’où ils sont originaires. Que ces frères et sœurs oiseaux louent avec le duo la création et toutes les opportunités qui en découle me plaît. Que la première de ces opportunités soit l’écoute de toutes les sensibilités sans faire de l’animal une image, mais un créateur ingénieux, prêt à intervenir s’il le souhaite est réconfortante, tu ne crois pas ?

IA : Oui comme toi je crois réconfortant de penser que les humain·e·s ne sont pas les seul·e·s à créer en ce monde. Une écriture critique de l’histoire de l’art a depuis 40 ans travaillé à démolir la figure du "génie" masculin blanc, pour façonner une image de l’artiste plus inclusive. Il est passionnant d’embrasser, pour aller plus loin dans la déconstruction d’un modèle dominant, cette façon de penser le monde qui va chercher partout la diversité créative du vivant, et notamment chez les animaux et les plantes. Pourquoi ne pas interroger également, avec la linguiste Mel Chen, les hiérarchies que nous établissons dans les langues entre l’animé et inanimé qui restent sources de toutes nos exclusions** ?
C’est le travail en duo qui, il me semble, permet à Louise et Chloé de se poser la question d’une collaboration au-delà de l’humain. Comme nous l’avions évoqué avec Claire Le Restif à l’occasion de leur exposition qui vient de s’achever au Crédac-centre d’art d’Ivry-sur-Seine, tous les projets sont pour elles des possibilités de penser un collectif en constante reconfiguration. Que ce soit des communautés spirites ou saint-simoniennes, des élèves de David ayant abandonné la peinture pour la performance, de ceux de Pythagore, l’idée de la collaboration créative reste leur problématique principale. Comme si le duo était la plus petite des communautés mais déjà le lieu de tous les possibles émancipateurs, à partir duquel s’associer avec (ce) qui nous plaît pour reconfigurer l’ordre des choses. Des alliances plus ou moins éphémères en résultent et c’est cette alliance, de Louise et Chloé avec les kea, que nous présentons aujourd’hui à la galerie.

CB : Pour que cette relation avec les kea soit plus évidente à travers l’exposition, le duo a pris soin de réfléchir à la manière dont ces perroquets utiliseraient l’espace et les objets qui s’y trouvent s’ils venaient à nous visiter. Adeptes de la marche, n’utilisant leurs ailes que pour effectuer de longues distances, il n’était pas question de penser une situation qui ne regarde que l’échelle humaine, sans pour autant la faire disparaître. Le terme de négociation ne me paraît pas mauvais en pareilles circonstances, car il s’agit de penser une alliance comme tu le dis, en même temps qu’un désir émancipateur de part et d’autre sans que cela aille de soi. Il me semble fondamental que les artistes, comme nous-mêmes, puisque nous sommes complices de toute cette préparation avant l’exposition, restions sensibles à la distance qui reste toujours à parcourir vers une forme de liberté d’esprit et d’enrichissement, alors que les kea connaissent la captivité, tandis que nous sommes dans un exercice, dont les codes, mêmes s’ils sont régulièrement interrogés et repensés, produisent facilement des fractures entre un mode de vie solitaire et affranchi de beaucoup de règles et un principe de monstration qui joue sur un langage commun. Penser l’exposition comme un moment où il faut finalement moins briller que s’effacer au profit de quelque chose que l’on porte davantage en nous-mêmes. Une fois la rue retrouvée, nos pensées seront-elles dirigées vers l’exposition ou vers l’autre, quel qu’il soit, avec cette envie simple et douce de se synchroniser.

IA : c’est en effet une forme de synchronisation avec les oiseaux que  nous offre l’exposition, ceux de la ménagerie du Jardins des plantes, que les artistes vont étudier tout au long de ces deux mois, rapportant dans la galerie les résultats de leurs observations, et la rencontre avec les kea de Nouvelle-Zélande dont nous sommes témoins dans le film montré au sous-sol. Les objets exposés fonctionnent sur le principe du don/ contre-don : dans la première salle les cadeaux faits aux kea pour le jeu, répliques d’œuvres d’art (scarpette de Marisa Merz, mobile de Man Ray) et dans la seconde salle, les copies d’objets formés de plantes qu’un kea a offert aux artistes et qu’elles ont conservé sous verre. En suivant l’anthropologue Marcel Mauss, on peut donc imaginer que l’exposition réactive en permanence un lien social entre Louise et Chloé et les oiseaux. Plus qu’une alliance éphémère finalement, c’est une communauté interspécifique qu’elles cherchent à former, les « communautés plus qu’humaines » d’Antoine Chopot qui nous exhorte dès à présent à définir un « "nous" (…) toujours plus engagé au-delà de l’humanité. »***

*Christian Bourgois éditeur, Paris, 2013, p.52
**Mel Y. Chen, Animacies : Biopolitics, Racial Mattering and Queer Affects, Duke University Press, Durham, 2012
***Antoine Chopot, Les communautés plus qu’humaines, Appareil, n°16, 2015

La pratique artistique de Louise Hervé et Chloé Maillet repose sur la narration. Leurs projets rassemblent faits historiques, fiction ou réalités nouvelles et prennent la forme de films, installations et conférences performées. Leur mode opératoire combine le discours scientifique et les commentaires personnels et a été décrit comme une archéologie du savoir. Elles sont nées en 1981 et travaillent ensemble à Paris depuis 2000. Elles ont fondé l’I.I.I.I. (International Institute for Important Items) en 2001. Leur travail a fait l’objet d’expositions personnelles à Contemporary Art Gallery, Vancouver (CAN), la Synagogue de Delme (FR), au FRAC Champagne Ardenne (FR), au Kunstverein Braunschweig (DE), la Kunsthal Aarhus (DK) et au Crédac-centre d’art d’Ivry-sur-Seine.

En partenariat avec l’exposition, Le Carreau du Temple présentera Un projet important (2009) du 7 avril au 26 mai (vestiaire n°9), vernissage vendredi 6 avril, 18h30 [inscrivez-vous ici pour assister au vernissage]

Special thanks to: Te Whare H?ra Wellington International Artist Residency (Ann Shelton), Raynald Belay, Michel Saint-Jalme, Aude Bourgeois, Newton, Sawyer, Pandora, Stéphane Pelletier, Nicolas Hautbois, L'Atelier Gamil, Paul Macaire.