la coupure, l'apparentée
Gyan Panchal
06.09.2018 - 27.10.2018, vernissage 06.09.2018
[plus bas en français]
"For any attempt to absorb nature destroys its necessary otherness. Profound separation is what makes nature natural. We cannot join ourselves to nature without destroying its most important meaning. We can barely touch it without destroying that meaning (...) For objects, natural objects, make us remember it again, make us remember a nature indifferent to us. They are the wound of that other world, the world without language, without culture, without us. They are its only visible mark. They remain. They itch. They threaten us. They remind us. And that itch, that threat is the seed, the possibility of art."
Richard Nonas, Get out, Stay away, Come back
We like to draw connections between the successive projects taking place at the gallery, thereby understanding what links the artists with whom we collaborate, not only formally but also from an intellectual standpoint, identifying in retrospect what attracted us to them. Gyan Panchal’s work has explored, for more that a decade, the relationship between the natural and the artificial by going beyond the aporia of the nature/culture opposition but by trying to feel, through his approach to sculpture, the possible spaces of cohabitation between the living environments inhabiting our world, which are however each driven by their own logic. For their last exhibition at the gallery, Louise Hervé and Chloé Maillet began from similar premises, seeking to imagine which art history objects could appeal to birds. With Louise, Chloé and Gyan, we are further exploring a world in which the human has lost its pre-eminence. With Jean-Charles de Quillacq, Pauline Boudry / Renate Lorenz and Mathieu K. Abonnenc, this de-centering occurs from the sexed, situated individual moving towards other forms of human relation to the world. Each of them forces us to incessantly question our place in relation to that of other living beings.
I experienced, in a national park in the United States, the irreducible otherness of the animal world. A buffalo herd was grazing in a vast meadow — unlike in a zoo, where it is placed under the gaze of visitors — with its own, animal life logic. A buffalo, which had gone to the other side of the road to eat, suddenly went back to the herd, at a slow pace, blocking the traffic on this very busy road. The vehicles patiently waited for the buffalo to return to the herd, adapting themselves to the animal rhythm, to its indifference towards humans. For this buffalo, our existence was no different to that of the elements of the landscape that it came across.
I have the feeling that sculpture, as practiced by Gyan Panchal, expresses this same irreducible otherness, this indifference to what we expect of it. The sculpture arising from our collective representations, neatly mounted on a pedestal against a white wall, as the bourgeois artefact per excellence, is like these so-called ‘domestic’ animals, which we humanise to such an extent that we endow them with feelings similar to ours. The forms created by Gyan possess, on the contrary, a life of their own, a particular rhythm. The very characteristics of the materials and objects used determine their position in space and in relation to other elements. The primary use of objects (a silo, fake food or plants, fishing apparel, a manger, a buoy, a funnel) - while occasionally remaining identifiable (and often mentioned in the technical description of the pieces) - is only a function that is removed by the artist. In a recent interview, Gyan stated that these objects become pieces “once a sufficient number of gestures have rendered them unrecognisable, and troubled the assurance of a certain familiarity towards them”. Through their encounter within sculpture, they develop a new state. Thus, the curve of a silo is delicately adorned with a plastic albino fern, a dried up bovin ear and a grinded horn, objects abandoned by agriculture, which are brought together due to their inherent logics. As emphasised by Gyan in the same interview “form does not exist prior to sculpture work (…) There is only an experience, involving a myriad of gestures, gazes and touches.” In short, a sensory experience that is perhaps not intended to last.
The pale colours of an old, painted and sanded buoy, hung from the ceiling like a piece of meat at a butcher’s, that of a fake chunk of bread, or of a plastic manger seem to provide them with the sensuality and charms specific to the living. Thus, the living and the non-living, manufactured objects and natural elements are no longer hierarchised but reconfigured in a new environment.
Sculpture would therefore be a full-fledge environment, in the sense defined by the biologist von Uexküll at the end of the 19th century, as a world that determines the objects belonging to it. Art has its own logic and forms are in no way dependent upon their destination. Existing alongside other worlds, art does not, however, leave them indifferent. It is a way of making worlds coexist, or even of giving rise to an abstract form of ‘living together’, which could translate into the living world. This is, I believe, art’s emancipatory dimension and what we could learn from it, if only we refrained from domesticating or absorbing it as we do with nature.
IA
*Les Presses du réel, 1995
Gyan Panchal was born in 1973, he lives in Eymoutiers (Limousin, France). A graduate of the Jan Van Eyck Academie (Maastricht, NL), he has had many solo shows: at the Contemporary Art Museum of Rochechouart (FR), Frank Elbaz, Paris, Palais de Tokyo, Jhaveri Contemporary, Mumbai (IND) and Maison des Arts Georges Pompidou, Cajarc (FR). His works have recently been exhibited at Centre Pompidou, Paris, the Rennes Biennale, Carré d'art - Contemporary Art Museum in Nîmes (FR), Crédac - art center in Ivry-sur-Seine (FR), Villa Arson, Nice (FR), Maison Populaire de Montreuil (FR), Fondation d'entreprise Ricard, Paris and CAN, Neuchatel (CH). In March 2019, the Modern and Contemporary art Museum in Saint-Etienne will produce a solo exhibition of his work.
__
« Toute tentative pour absorber la nature en détruit la nécessaire altérité. La séparation profonde est ce qui fait que la nature est naturelle. Nous ne pouvons nous unir à la nature sans détruire sa signification la plus importante. Nous pouvons à peine y toucher sans détruire cette signification (…) Car les objets, les objets naturels, nous le rappellent, nous rappellent une nature qui nous est indifférente. Ils sont la blessure de cet autre monde, le monde sans langage, sans culture, sans nous. Ils en sont la seule marque visible. Ils demeurent. Ils démangent. Ils nous menacent. Ils nous font souvenir. Et cette démangeaison, cette menace, c’est la semence, la possibilité de l’art. »
Richard Nonas, Get out, Stay away, Come back
Nous aimons faire le lien entre les projets qui se succèdent à la galerie et comprendre ainsi ce qui rassemble les artistes avec qui nous collaborons, non seulement sur le plan formel mais d’un point de vue intellectuel, reconnaissant a posteriori ce qui nous a attirées vers eux·elles. Le travail de Gyan Panchal explore depuis plus d’une décennie le rapport entre le naturel et l’artificiel en dépassant l’aporie d’une opposition nature/culture mais en essayant de sentir, par son approche de la sculpture, les lieux de cohabitation possibles entre les milieux vivants habitant notre monde, chacun pourtant mû par sa propre logique. Pour leur dernière exposition à la galerie, Louise Hervé et Chloé Maillet sont parties de prémisses similaires, tentant d’imaginer quels objets de l’histoire de l’art pourraient s’adresser aux oiseaux. Avec Louise, Chloé et Gyan, nous avançons dans l’exploration d’un monde dans lequel l’humain a perdu sa prééminence ; avec Jean-Charles de Quillacq, Pauline Boudry / Renate Lorenz et Mathieu K. Abonnenc, ce décentrement se produit à partir de l’individu sexué et localisé pour aller vers d’autres relations humaines au monde. Chacun·e nous oblige à nous poser la question à chaque instant, de notre place relative à celle des autres vivants.
Dans un parc naturel aux Etats-Unis, j’ai fait l’expérience de l’irréductible altérité de l’animal. Un troupeau de bisons paît dans une prairie immense — pas comme dans un zoo, placé là pour être juste sous l’œil des visiteur·euse·s — avec sa logique propre de vie animale. Un bison qui était allé se nourrir de l’autre côté de la route rejoint soudain le troupeau, à pas lent, arrêtant le trafic sur cet axe très fréquenté. Les véhicules attendent patiemment le retour du bison dans le troupeau, s’adaptant au rythme animal, à son indifférence aux humains. Nous existons pour ce bison au même titre que ces éléments du paysage qu’il croise.
J’ai le sentiment que la sculpture telle que la pratique Gyan Panchal exprime cette même irréductible altérité, cette indifférence à ce qu’on attend d’elle. La sculpture de nos représentations collectives, sagement soclée devant un mur blanc, artefact bourgeois par excellence, est comme ces animaux que l’on dit « de compagnie » et que nous humanisons à tel point que nous leur prêtons des sentiments similaires aux nôtres. Les formes créées par Gyan ont au contraire une vie propre, un rythme particulier. Les caractéristiques mêmes des matériaux et des objets utilisés déterminent leur positionnement dans l’espace et vis-à-vis d’autres éléments. L’usage premier des objets (silo, aliments ou plantes factices, vêtement de pêcheur, mangeoire, bouée, trémie) — s’il reste parfois reconnaissable (et souvent mentionné dans la description technique des œuvres) — n’est qu’un rôle auquel l’artiste les soustrait. Dans un entretien récent, Gyan déclarait que ces objets deviennent œuvres « lorsque suffisamment de gestes les ont rendu méconnaissables, et ont permis de troubler l'assurance d'une certaine familiarité à leur égard ». Par leur mise en contact dans la sculpture, ils trouvent un nouvel état. Ainsi, la courbe d’un silo se pare délicatement d’une fougère albinos en plastique, d’une oreille desséchée de bovin et de corne broyée, objets délaissés par l’agriculture, et que leurs intrinsèques logiques permettent de rapprocher. Comme le souligne Gyan dans le même entretien « la forme ne préexiste pas au travail de la sculpture (…) Il n'y a qu'une expérience, mettant en jeu une multitude de gestes, de regards et de touchers. » Une expérience sensuelle en somme qui n’est peut-être pas destinée à durer.
Les couleurs pâles d’une ancienne bouée peinte et poncée, accrochée au plafond comme une pièce de boucher, celles d’un quignon de pain factice ou d’une mangeoire en plastique semblent les faire accéder à une sensualité et à des attraits propres au vivant. Ainsi vivant et non vivant, objets fabriqués et éléments naturels ne sont plus hiérarchisés mais reconfigurés dans un nouveau milieu.
La sculpture serait donc un milieu à part entière, au sens défini par le biologiste von Uexküll à la fin du 19ème siècle, comme un univers qui détermine les objets qui lui appartiennent. L’art a sa propre logique et les formes ne dépendent aucunement de leur destination. Existant à côté d’autres mondes, il ne leur est pourtant pas indifférent. Il est une façon de faire coexister des univers, voire de faire exister un « vivre ensemble » abstrait qui pourrait avoir sa traduction dans le monde vivant. C’est là il me semble la dimension émancipatrice de l’art et ce que nous pourrions en apprendre, si seulement nous nous retenions de l’apprivoiser ou de l’absorber comme nous le faisons avec la nature.
IA
*Les Presses du réel, 1995
Images
