Autofonction

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The words in this text — that we wrote right before the lockdown in France — accompany our very gestures as we handle and move Jean-Charles de Quillacq's works in preparation for the show. Autofonction (auto-function) is not only a closed system that his sculptures favour any more. It has now become a shared system, forced upon us by our collective consciousness, for the last fifty-five days.

uto-function overflows with energy. It activates, it works, it rises up, it gathers, it struts about. It is also a bit arched, it feels the air, it catches things that remain foreign and wants to keep them, to feel them wiggle with mufAfled noises. When meaning dances, objects do too. They are alive and find their way in space, they live on its light and its darkness. They glow, they mattify and lie down like the oxalis triangularis — this false crimson shamrock, whose leaves close without the presence of a witness.

EV: If you had to described yourself, then, would you begin with the feet?*

JCdQ: Let’s say that it would enable me to avoid the more straightforward parts of the body like, for instance, the face or the genitalia, which of course interest me but present more personality than I would be willing to bear.*

CB: Your last exhibitions make the whole body available. Each time, the different sculptures that you mould and sometimes even dress respond to your own body, they multiply it. You produce bodies that lead you to other bodies, as a perpetual engendering that is lived explicitly and without rest, through Ma système reproductive (My reproductive system)**. It is also a physical and sexual expense that shows the opening and the closing of the body to the other, to others. I understand: I’m pleasuring myself without the other. I’m staging what I’m living or seeing as internally exciting, satisfying and enlightening. But I’m also sharing it, for imagining myself working with sculptures that perform an exploration of the body thanks to materials is about moving towards others, being excited by the myriad of points of views, between those that are mine and those that I could never adopt. This is how I imagine the paths that you follow towards us, towards your openly displayed “autofonction” (“auto-function”) or  “autoérotisation” (“self-eroticisation”).

IA: Establishing an equivalence between my sculptural work and my body even before thinking about multiple bodies requires a form of honesty regarding my own relation to art, and perhaps that of numerous sculptors. There is a form of pleasure that could be described as masturbatory in casting, in shaping forms, in playing with fluid materials. Artists share this common fantasy — the idea of becoming one with your work. I hence replaced one of my sculptures during three days in the context of an exhibition at Triangle France (Marseille) (“Vos désirs sont les nôtres” / “Your desires are ours”, 2018). The idea was to explore what it really meant to be available, like an artwork, to the voyeur gaze of viewers. During the Rennes Biennale (2018), I pushed the idea even further by proposing viewers to register for meetings during which I made a cast of their nose. In return, they had six minutes to do whatever they wanted with me, in an isolated room. I then included the collected nose casts in the installation mes béchamel (my bechamel sauces) (2018). Otherness was thereby kind of included, represented by these bits of other people, in my sculpture. The idea wasn’t so much about being excited by one’s own body / one’s own work than to make these exterior pieces penetrate the body and the work — pieces that make us strangers to ourselves and eventually foster this self-eroticism. In this sense, Crash!, the book by J.G. Ballard (1973) and its adaptation by David Cronenberg (1996) have exerted a strong influence on me.

CB: This exhibition expresses more directly this perpetual state of play with materials, certain aspects of which being hidden to us. Your work revisits self-portraiture and the artist’s relationship to the model. There is no doubt that few self-portraits in art history have demonstrated this ability to reproduce for and with others. Not only do your sculptures emancipate themselves to play with each other, but other human bodies act as models, as game partners and accomplices with you. You experience this dependency on others with pleasure. You organise it and put it under tension. Sometimes it is visible, but not always. The outcome can circumvent hazards to create a new and ideal situation. For me, mes béchamels (my bechamel sauces), which you evoke through casts of noses, is the very image of absolute delight: a line of noses taking refuge under a blanket, exchanging warmth, air, fluids. If we lift up the blanket, will we have access to all those smells that you regularly talk about? What better scent than that of the studio, which has become the room of shared desires…

IA: The studio is the location of the concentration of desires and fantasies, this is why the penetration of a stranger within it is never innocent. It is directly related to the title of the exhibition “Autofonction” (“Auto-function”). Is the studio the place where artists are in “auto” mode, which refers to a mechanical idea of creation, as the “auto-reverse” function of our old tape players? Or should the auto-function be imagined as the description of an art form that would be independent from any external function? The sculptures are in auto-function, closed systems that nevertheless contain otherness, bits of others like noses, like certain clothes that I include in my works. Auto-function is obviously the body of the artist working, who is asked to be productive, even though they remain entangled in their own constraints, a  “socialised piece of meat, a conscience object challenging itself”, as Michel Journiac wrote (arTitude n°5, 1972).

translation: Callisto McNulty

*Excerpt from Jean-Charles de Quillacq and Elsa Vettier, Saint-Pierre-des-corps, ed. Sombres Torrents, 2020

**"Ma système reproductive" ("My reproductive system") is a solo exhibition of the artist which took place between May 3, 2019 and July 13, 2019 at Bétonsalon, Paris.

The artist will perform Présentation du travail randomly during gallery opening hours

Jean-Charles de Quillacq was born in 1979. He lives between Zurich, Switzerland and Sussac, Limousin. He graduated from the Ecole des Beaux-Arts in Lyon and is a former resident of the Rijksakademie, Amsterdam. He has participated in several group exhibitions, including "Humainnonhumain" at the Fondation d’entreprise Ricard (cur. Anne Bonnin, 2014), "L’Après-midi" at Villa Arson, which dedicated a short monograph to his work (Mes mains dans tes chaussures, 2015), "À Cris Ouverts", Les Ateliers de Rennes (cur. Etienne Bernard and Céline Kopp, 2018) and "Future, ancient, fugitive" at the Palais de Tokyo (cur. Franck Balland, Daria de Beauvais, Adélaïde Blanc and Claire Moulène, 2019). His work has also been shown in solo exhibitions, including "Ma système reproductive" at Bétonsalon (cur. Mélanie Bouteloup and Lucas Morin, 2019), "My Tongue Does This to Me" (with Hedwig Houben) at La Galerie in Noisy-le-Sec (cur. Emilie Renard, 2018), "Getting a Younger Sister, Thinking to Myself" at the Swiss Art Awards, where he was one of the winners (Basel, 2017), "Je t’embrasse tous", Marcelle Alix gallery (Paris, 2016), and "Four Works in a Rectangle", Rote Fabrik (Zurich, 2012).

Special thanks to: Cédric Aurelle, Mathias Cannillo, Catalina Peña, Valentin Tanören, Mine Merz, Mara Thurnheer, Catherine Barbier, Elsa Vettier, Lilian Froger, Emilien Chesnot, Bétonsalon centre d’art contemporain, Julien Dubuisson, Cité des Arts, Paris, Franck Balland.

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Les mots de ce texte rédigé avant le confinement accompagnent chacun de nos gestes alors que nous manipulons et déplaçons dans nos espaces les oeuvres de Jean-Charles de Quillacq. L'autofonction n'est plus seulement le système fermé que les sculptures privilégient et prennent en charge pour nous. Il est aujourd'hui système partagé, conscientisé collectivement depuis cinquante-cinq jours.

Autofonction déborde d’énergie. Ça s’active, ça travaille, ça se soulève, ça se rassemble, ça parade. C’est un peu cambré aussi, ça palpe l’air, ça attrape des choses qui restent des étrangères et ça veut les garder, les sentir remuer avec des bruits étouffés. Quand le sens danse, les objets aussi. Ils sont vivants et se frayent des chemins dans l’espace, vivent de sa lumière et de son obscurité. Ils luisent, se matifient et se couchent comme l’oxalis triangularis, ce faux trèfle pourpre dont les feuilles se replient sans jamais trouver témoin.

EV : Si tu devais te décrire, alors, tu commencerais par les pieds?*

JCdQ : Disons que ça me permettrait d’éviter des parties plus franches du corps, comme par exemple le visage ou les parties génitales, qui bien sûr m’intéressent mais présentent plus de personnalité que je ne voudrais en supporter.*

CB : Tes dernières expositions mettent tout le corps à disposition. À chaque fois, les différentes sculptures que tu modèles et parfois même habilles répondent à ton propre corps, le multiplient. Tu produis des corps qui te mènent à d’autres corps, à la manière d’un engendrement perpétuel vécu explicitement et sans repos à travers Ma système reproductive**. C’est aussi une dépense physique et sexuelle qui montre l’ouverture et la fermeture du corps à l’autre, aux autres. Je comprends: je me fais du bien sans l’autre. Je mets en scène ce que je vis ou vois comme excitant, satisfaisant et éclairant intérieurement. Mais aussi je le partage, car m’imaginer travailler sur des sculptures qui performent une exploration du corps à l’aide de la matière, c’est aller vers les autres, être excité·e par la multiplicité des points de vue, entre ceux qui m’appartiennent et ceux que je ne pourrais jamais adopter. C’est ainsi que je me figure les chemins que tu empruntes jusqu’à nous, jusqu’à ton « autofonction » ou « autoérotisation » ouvertement exposée.

IA : Réaliser l’équivalence entre mon travail sculptural et mon corps avant même de penser à des corps multiples nécessite une forme d’honnêteté vis-à-vis de mon rapport à l’art, et peut-être de celui de nombreux·euses sculpteur·rice·s. Il y a un plaisir qu’on pourrait qualifier de masturbatoire dans ce que cela fait de mouler, de façonner des formes, de jouer avec des matières fluides. C’est un fantasme commun chez les artistes cette idée de ne faire qu’un·e avec son travail. J’ai ainsi remplacé une de mes sculptures pendant trois jours dans une exposition à Triangle à Marseille (« Vos désirs sont les nôtres », 2018). Il s’agissait d’explorer ce que cela voulait dire réellement que d’être disponible, comme une œuvre, aux regards voyeurs des spectateur·rice·s. A la Biennale de Rennes (2018), j’ai poussé la logique plus loin en proposant aux visiteur·euse·s de s’inscrire pour des rendez-vous au cours desquels je réalisais un moulage de leur nez. En contre-partie, ils et elles avaient six minutes pour faire ce qu’ils et elles voulaient avec moi, dans une pièce isolée. J’ajoutais ensuite les moulages de nez récoltés à l’installation mes béchamel (2018) présentée dans l’espace d’exposition. J’incorporais en quelque sorte l’altérité, représentée par ces bouts d’autres, dans ma sculpture. Il ne s’agit pas tant d’être excité·e par son propre corps/ son propre travail que d’y faire pénétrer ces morceaux extérieurs qui nous rendent étranger·ère·s à nous-mêmes et encouragent finalement cet auto-érotisme. En ce sens, Crash !, le livre de J.G. Ballard (1973) et son adaptation par David Cronenberg (1996) ont exercé une influence majeure sur moi.

CB : Cette exposition exprime plus directement cet état de jeu perpétuel avec la matière dont certains aspects nous sont cachés. Ton travail revisite l’autoportrait et le rapport de l’artiste à son modèle. Il est certain que peu d’autoportraits dans l’histoire de l’art ont montré cette capacité à se reproduire pour et avec les autres. Non seulement tes sculptures s’autonomisent pour jouer entre elles, mais d’autres corps humains jouent les modèles, les partenaires de jeu et les complices avec toi. Tu vis la dépendance aux autres avec plaisir. Tu l’organises et la met en tension, cela se voit parfois, mais pas toujours. Le résultat peut contourner les aléas pour fabriquer une situation nouvelle et idéale. Pour moi, mes béchamel que tu évoques à travers les moulages de nez est l’image même du plaisir absolu: une ligne de nez réfugiés sous la couverture qui échangent chaleur, air et fluides. Si on soulève la couverture, est-ce qu’on aura accès à toutes les odeurs dont tu parles régulièrement? Quel meilleur parfum que celui de l’atelier devenu chambre du désir partagé...

IA : L’atelier est un lieu de concentration des désirs et des fantasmes, c’est pour cela que la pénétration d’un étranger ou d’une étrangère en son sein n’est jamais innocente. Il se rattache directement au titre de l’exposition, « Autofonction ». L’atelier est-il l’endroit où les artistes sont en fonction « auto », ce qui renvoie à une idée mécanique de la création, comme la fonction « autoreverse » de nos anciens magnétos ? Ou bien faut-il imaginer l’autofonction comme la description d’un art autonome de toute fonction extérieure ? Les sculptures sont en autofonction, des systèmes fermés qui contiennent pourtant de l’altérité, des bouts d’autres comme les nez, comme certains vêtements que j’inclus dans mes œuvres. L’autofonction c’est évidemment le corps de l’artiste au travail, à qui on demande d’être productif, même s’il reste empêtré dans ses propres contraintes, une « viande socialisée, objet conscience se contestant lui-même » comme l’écrit Michel Journiac (arTitude n°5, 1972)

*Extrait de Jean-Charles de Quillacq et Elsa Vettier, Saint-Pierre-des-corps, éditions Sombres Torrents, 2020

**"Ma système reproductive" est un exposition personnelle de l’artiste qui s’est déroulée du 03.05.2019 au 13.07.2019 à Bétonsalon, Paris.

L’artiste réalisera la performance Présentation du travail de façon aléatoire aux horaires d’ouverture de la galerie pendant la durée de l’expositio

Jean-Charles de Quillacq est né en 1979.Il se partage entre Zurich, Suisse et Sussac, Limousin. Il est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon et ancien résident de la Rijksakademie, Amsterdam. Il a participé à plusieurs expositions collectives, dont "Humainnonhumain", à la Fondation d’entreprise Ricard (cur. Anne Bonnin, 2014), "L’Après-midi", à la Villa Arson qui lui a consacré un court ouvrage monographique (Mes mains dans tes chaussures, 2015), "À Cris Ouverts", biennale d’art contemporain de Rennes (cur. Etienne Bernard et Céline Kopp, 2018) et "Futur, ancien, fugitif" au Palais de Tokyo (cur. Franck Balland), Daria de Beauvais, Adélaïde Blanc et Claire Moulène, 2019). Son travail a également fait l’objet d’expositions personnelles dont "Ma système reproductive" à Bétonsalon (cur. Mélanie Bouteloup et Lucas Morin, 2019), "La Langue de ma bouche", avec Hedwig Houben, à La Galerie, Centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec (cur. Emilie Renard, 2018), "Getting a Younger Sister, Thinking To Myself" aux Swiss Art Awards, dont il est l’un des lauréats (Bâle, 2017), "Je t’embrasse tous", galerie Marcelle Alix (Paris, 2016) et "Four Works In A Rectangle", Rote Fabrik (Zürich, 2012).

Remerciements : Cédric Aurelle, Mathias Cannillo, Catalina Peña, Valentin Tanören, Mine Merz, Mara Thurnheer, Catherine Barbier, Elsa Vettier, Lilian Froger, Emilien Chesnot, Bétonsalon centre d’art contemporain, Julien Dubuisson, Cité des Arts, Paris, Franck Balland.

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Jean-Charles de Quillacq